Festival de Monterey

"A 40 Años Del Festival de Monterey"
Paz,Amor y Rock and Roll

En 1969 cientos de miles de jóvenes con mensajes de paz y amor, sorprendieron al mundo con tres días a puro rock & roll: Woodstock pasó a la historia como el más grande de todos los festivales de rock y su sola mención sintetiza una época exaltada por la guerra de Vietnam, los conflictos raciales, los derechos civiles y la psicodelia. Pero Woodstock no inauguró la época del flower power y los conciertos masivos. El inicio fue dos años antes, en pleno verano boreal, cuando otro festival gratuito atrajo a más de 200.000 jóvenes. Los días 16, 17 y 18 de junio de 1967 marcaron el comienzo del llamado Verano del Amor. Y desde lo musical el Monterey Pop Festival fue revolucionario: Jimi Hendrix prendió fuego su guitarra mientras interpretaba Wild Thing y cambió para siempre la historia del rock.

Monterey es una pequeña ciudad californiana a dos horas al sur de San Francisco, custodiada por colinas bajas y hermosas playas que dan al océano Pacífico. Ese paraíso de pequeños viñateros y pescadores fue el lugar elegido por los productores Lou Adler y Alan Parisier, y el grupo The Mamas and The Papas para hacer el concierto masivo y multicultural que soñaban.

Los artistas de rock del momento eran Los Beatles —que acaban de editar el monumental Sgt. Pepper—, los Rolling Stones, Cream, The Beach Boys y Bob Dylan. Por distintas razones ninguno de ellos pudo presentarse, pero no significó un escollo para el éxito del evento.

Al final, un beatle y un stone contribuyeron con la organización: Paul McCartney integró la comisión del festival y fue quien sugirió que incluyeran a Hendrix, hasta entonces un guitarrista estadounidense poco conocido en su país que ya había cautivado a los ingleses. En tanto Brian Jones fue uno de los maestros de ceremonia.

El festival comenzó el viernes 16 con el show de The Association, un grupo pop californiano que se codeaba con la psicodelia. Ese día además se presentaron el cantante Low Rawls, Simon & Garfunkel, Johnny Rivers y los británicos The Animals.

El sábado fue un día muy intenso y repleto de blues: Canned Heat, Paul Butterfield Blues Band, Steve Miller y The Electric Flag, la banda del guitarrista Mike Bloomfield. Pero hubo mucho más. La ciudad de San Francisco, cuna del movimiento hippie, se vio representada por dos bandas de pura cepa psicodélica: Jefferson Airplane y Moby Grape. Y la gran urbe de Los Angeles aportó a los populares The Byrds, que tocaron varios temas de Dylan como Chimes of Freedom y He was Friend of Mine.

Ese mismo día el mundo descubrió a quien se convertiría en la gran voz blanca del blues y en un ícono de la contracultura hippie: Janis Joplin asomó tímidamente al frente de Big Brother & The Holding Company y cautivó a todos con una notable versión de Down on me. Ese día cerró el cantante de soul Otis Redding. Su poderío vocal explotó con Try a little Tenderness.

El domingo abrió el músico indio Ravi Shankar, el único que cobró dinero (3.000 dólares) por presentarse en el festival. Hipnotizó a todos con el sonido de su sitar. El trance seguiría con los shows de Buffalo Springfield (con Stephen Stills y Neil Young), los Grateful Dead y una nueva aparición de Janis Joplin y su banda.

Sabiendo lo que les esperaba, la banda inglesa The Who decidió presentarse antes que Hendrix. "Cómo íbamos a tocar después de él, se hubieran reido de nosotros" admitió tiempo después Pete Townshend.

The Mamas and The Papas cerró el show con su hit California Dreamin' y el clásico Dancing in the Street. Pero antes que eso, apareció la Hendrix Experience en escena. Empezó con toda la potencia del blues Killing floor y siguió con Like a Rolling Stone de Dylan, Foxey Lady, Purple Haze y el memorable final de Wild Thing. Tocó con los dientes, por detrás de la espalda con una precisión y un virtuosismo nunca visto hasta entonces. "La guitarra se volvió una extensión de su cuerpo", contó luego el actor Dennis Hooper, testigo de aquella noche mágica, en la que el rock cambió para siempre.

Disco: 1
01. Festival Introduction - John Phillips
02. Along Comes Mary - The Association
03. Windy - The Association
04. Love Is a Hurtin' Thing - Lou Rawls
05. Dead End Street - Lou Rawls
06. Tobacco Road - Lou Rawls
07. San Franciscan Nights - Eric Burdon & the Animals
08. Hey Gyp - Eric Burdon & the Animals
09. Rollin' and Tumblin' - Canned Heat
10. Dust My Broom - Canned Heat
11. Bullfrog Blues - Canned Heat
12. Not So Sweet Martha Lorraine - Country Joe & the Fish
13. Down on Me - Big Brother & the Holding Company
14. Combination of the Two - Big Brother & the Holding Company
15. Harry - Big Brother & the Holding Company
16. Road Block - Big Brother & the Holding Company
17. Ball and Chain - Big Brother & the Holding Company

Disco: 2
01. The Flute Thing
02. Mystery Train - The Paul Butterfield Blues Band
03. Born in Chicago - The Paul Butterfield Blues Band
04. Double Trouble - Butterfield Blues Band
05. Mary Ann - Butterfield Blues Band
06. Mercury Blues - Steve Miller Band
07. Groovin' Is Easy - Electric Flag
08. Wine - Electric Flag Listen Listen
09. Bajabula Bonke (The Healing Song) - Hugh Masekela
10. Renaissance Fair - The Byrds
11. Have You Seen Her Face - The Byrds
12. Hey Joe - The Byrds
13. He Was a Friend of Mine - The Byrds
14. Lady Friend - The Byrds
15. Chimes of Freedom - The Byrds
16. So You Want to Be a Rock & Roll Star - The Byrds
17. Dhun: Fast Teental [Excerpt] - Ravi Shankar
18. Flute Thing - The Blues Project

Disco: 3
01. Somebody to Love - Jefferson Airplane
02. Other Side of This Life - Jefferson Airplane
03. White Rabbit - Jefferson Airplane
04. High Flyin' Bird - Jefferson Airplane
05. She Has Funny Cars - Jefferson Airplane
06. Booker-Loo - Booker T. & the MG's
07. Hip Hug-Her - Booker T. & the MG's
08. Philly Dog - Booker T. & the MG's
09. Shake - Otis Redding
10. Respect - Otis Redding
11. I've Been Loving You Too Long - Otis Redding
12. (I Can't Get No) Satisfaction - Otis Redding
13. Try a Little Tenderness - Otis Redding
14. Substitute - The Who
15. Summertime Blues - The Who
16. Pictures of Lily - The Who
17. Quick One, While He's Away - The Who
18. Happy Jack - The Who
19. My Generation - The Who

Disco: 4
01. Killing Floor - Jimi Hendrix Experience
02. Foxey Lady - Jimi Hendrix Experience
03. Like a Rolling Stone - Jimi Hendrix Experience
04. Rock Me Baby - Jimi Hendrix Experience
05. Hey Joe - Jimi Hendrix Experience Listen
06. Can You See Me - Jimi Hendrix Experience
07. Wind Cries Mary - Jimi Hendrix Experience
08. Purple Haze - Jimi Hendrix Experience
09. Wild Thing - Jimi Hendrix Experience
10. Straight Shooter - The Mamas & the Papas
11. Got a Feelin' - The Mamas & the Papas
12. California Dreamin' - The Mamas & the Papas
13. I Call Your Name - The Mamas & the Papas
14. Monday, Monday - The Mamas & the Papas
15. San Francisco (Be Sure to Wear Flowers in Your Hair) - Scott McKenzie
16. Dancing in the Street - The Mamas & the Papas.
(Link en comentarios)

ENTREN

"A Todo Ritmo, en Tren"(Fotos:Marcelo Benoit)

Como un happening: cada cual con su instrumento

A todo ritmo, en tren

"El festival sobre rieles que recorrió parte de Uruguay"

Excursión fonoeléctrica. o un viajecito en tren con propuestas culturales diferentes en cada vagón. Espectadores que son pasajeros y artistas, y una gran mezcla de argentinos y uruguayos. Así más o menos se puede explicar Entren, que se realizó el sábado último, atravesando el país vecino, desde la Nueva Estación de Trenes hasta la vieja estación Víctor Sudriers, en Empalme Olmos. Es una propuesta cultural sin fines de lucro, autogestionada por artistas de las dos orillas. "Queríamos diversidad y la tuvimos", indica Vanessa Recagno, que coordinó a músicos que debieron adaptarse a tocar en movimiento: sin escenario, acomodados sobre los asientos y sin pasar la gorra después, como los artistas ferroviarios de Buenos Aires.
En su segunda edición (la primera fue en 2006), Entren partió a las 16.30 y regresó a las 20, después de visitar las localidades de Sayago, Peñarol,Manga, Toledo, Suárez y Pando. En tres días se habían agotado los 500 boletos disponibles y al menos a cien personas más se les fue el tren. La propuesta era misteriosa. Los músicos sabían cuándo debían tocar, no tenían idea de quién más lo haría. Al llegar a la estación, les regalaban a los pasajeros maní y un suplemento sobre los artistas. "Queríamos que la gente tomara el viaje en tren como un fin en sí mismo y regalarle esa cantidad de artistas a bordo... y resultó", indica Recagno.
Antes de salir, hubo una performance y se proyectaron piezas de videoarte en los monitores de la estación. Mientras subían al primer vagón, tocaba Juan Stewart. En los siguientes dos vagones Felipe Reyes animaba el vagón bar, mientras se vendían tortas, panqueques y submarinos; en el penúltimo vagón colgaban con broches textos de los poetas Ricardo Messina, Gabriel Peveroni y Nelson Díaz, junto con collages de Melisa Marrero y prendas de las ocho integrantes del grupo Lavanda, que acompañaban sus cantos corales con percusión, se trepaban a los asientos e interactuaban con el público. Algunos viajantes llevaron su guitarra y formaron su propia peña.
"En un momento fui al vagón bar en busca de una grapa miel y estaban cantando Perales. Luego sonaba Guns n' Roses", ejemplifica Felipe Ridao, organizador de Entren junto con Alejandro Torre y Federico González. El músico Pablo Grinjot soltó el tema de Sui Generis Bienvenidos al tren y los pasajeros, entre risas, lo siguieron al unísono. Pero en otro coche sonaban los acordes eléctricos de Lara Correa DJ TOP, y se bailaba con estrellitas en la mano (de esas que se encienden en Navidad).
"Nunca había sentido tanta empatía", admite Ridao. "En Uruguay el tren es un medio de transporte muerto, y más de la mitad de estos pasajeros jamás se había subido a uno", explica González. Quienes veían pasar el tren ponían cara de haber visto pasar un ovni. "Ya ver un tren con gente es increíble. Pero ver uno lleno, con luces de color y todos bailando...", destaca Ridao.
El tren viajaba despacio, para mejor disfrute de sonido. Después de un atardecer de postal, la formación llegó a destino y los pasajeros fueron recibidos con café y luces de colores. Mientras la locomotora se ubicaba en su lugar, Grinjot y Alvy Singer cantaron a dúo. Messina aprovechó para recitar versos. Amenizaron el regreso The Electric Ganges e Interama y el show Dramática, de Dani Umpi y Adrián Soiza, que repartían covers. El festejo continuó en la fiesta Postren, donde se afianzaron amistades recientes: muchos se quedaron con ganas de viajar y los que viajaron, lamentaron no haber estado en todos los vagones. Cosas que pasan.
María Paula Zacharías.LaNacion.com


El sábado 17 se celebró la primera edición de “Entren”, un paseo en ferrocarril con vagones ambientados con diferentes expresiones de arte alternativo. Bajo la denominación “experiencia fonoeléctrica”, basada en las antiguas excursiones sonoras de AFE de los años 70, los colectivos LOGO y Lostmakers transitaron una excusa perfecta para que los espectadores se conviertan en pasajeros a ritmo del paisaje urbano que comunica Estación Central con la localidad de 25 de agosto.

Luego de la consagración cultural alternativa de la propuesta “ensamble artístico eventual electrónico” (ediciones 2001 y 2002), celebrada en el Planetario Municipal, el “conglomerado artístico” Lostmakers optó por una inmovilidad temporal, dedicado a descubrir nuevos espacios para desarrollar actividades artísticas autogestionadas en lugares no convencionales. Una nueva acción fue experimentada el pasado sábado 17 de junio. “Entren”: una experiencia fonoelectrica, realzó el nuevo emprendimiento del colectivo, en cuatro vagones en movimiento. Los encargados del destino artístico de la jornada y de revivir el espíritu de AFE fueron Alejandro Torre y Federico González de Lostmakers y Felipe Ridao, de LOGO.

¿Por qué desarrollar este tipo de eventos en espacios no convencionales?
FG: La primera vez que nos planteamos hacer algo en un espacio no convencional fue en el Planetario. En este caso elegimos un tren. Elegimos lugares divertidos, que tengan que ver con la propuesta.
AT: Intentamos que el lugar sea el recipiente y parte del concepto. El Planetario, por ejemplo, era un lugar para contener las nuevas ideas, por su forma circular... Los músicos, la gente, todos daban vueltas alrededor de una idea. Agotada esa idea... ahora tomamos el tren, el movimiento.
¿Cuándo se unen las ideas de Lostmakers con las de Logo?
AT: Esta es la primera vez que se institucionaliza nuestra propuesta. Anteriormente, jugando a desarrollar ideas, inventamos una especie de holding, los Hermanos China, que funciona como un gran paraguas debajo del que coexisten una editorial, una radio, una productora audiovisual y un sello discográfico. Lostmakers se ubica, dentro de ese “conglomerado”, como una productora audiovisual. Intentamos la realización de un video para la banda La Foca y terminamos haciendo el ensamble artístico en el Planetario.
FR: LOGO, en cambio, nace de establecerse como un sentido, de pararnos en un lugar a laburar. A ese sentido le dimos un nombre, sobre todo para los vínculos de apoyo que acompañan las propuestas culturales. Una de nuestras primeras actividades fue desarrollada en conjunto con Lostmakers (YA juego AY)

ENTREN MUCHOS Y POCOS
La idea planteada por Losmakers y Logo para “Entren” fue la de crear un espacio sonoro en movimiento, basados en conceptos teóricos de aquellos viajes antiguos en tren. El sabado, en la nueva Estación de AFE, sellos, estampas y boletos alteraron el sentido de los circuitos tradicionales montevideanos. La fiesta sobre rieles, con pasajes agotados, vagones snob-austeros y una mixtura de diversión se puso en marcha pocos minutos después de las dos y quince. En la Estación las filas se dividían para consagrar dos viajes simultáneos: el tradicional a la localidad de 25 de agosto y el de Entren, con una tripulación integrada por músicos, poetas y diseñadores.

¿Cómo surge la idea de un “paseo fonoeléctrico”?
FG: Fue a través del baterista de La Foca, que había escuchado hablar de que en AFE, hasta la década del 70, antes de la dictadura militar, se realizaban excursiones fonoeléctricas para liceales, con parlantes de madera con música. La onda era ir a un lugar y volver más tarde, ya entrada la noche, siempre escuchando música... Una de las ideas principales es disfrutar de esa experiencia, de viajar en tren. El paseo es muy atractivo. De hecho, vendimos los boletos en tres días. Eso quiere decir que la gente quiere viajar en tren.
FR: Al tren lo mataron los políticos, y somos cuidadosos con eso. Somos románticos con las cosas, y la intención es revivirlas. El tema es que a las propuestas se las prostituye... y entonces organizan el tren rock en 40 vagones.
FG: Nosotros tratamos de cuidar las cosas, la idea central.
FR: El asunto de los recursos para financiar genera un poco de miedo. Tenemos que fusionar varios intereses: los nuestros, y los intereses de las empresas.
¿Cómo manejan los vínculos y los apoyos de esta propuesta, respecto al anterior trabajo en el Planetario?
FG: La intendencia fue terrible.. Habamos con gente fenómena, pero entramos en un abismo, en una burocracia. En este caso tuvimos que convencer a una persona sola de que necesitábamos el tren. Lo que sí es verdad es que estamos mas duchos en el arte de emprender.

FR: Le pedimos a los sponsors que sean parte de la propuesta. Tratamos de que se arrimen, no que la prostituyan... no queremos que traigan ocho promotoras y pinten los vagones con determinada marca.
AT: Tratamos de hacer entender que es más efectiva la repercusión posterior del evento que mirar un logo en un afiche.
¿Por qué piensan que últimamente los proyectos artísticos alternativos están mayormente financiados por empresas privadas?
FR: Tampoco el artista está encerrado en su cueva, pero nosotros tratamos de fusionar lo privado con lo público. En este caso interactuamos con AFE, y le generamos una lectura oficial a “Entren”, mediante su declaración de interés cultural en el MEC.

RECORRIDO ARTÍSTICO
Ambientado con mesas y música, el vagón-bar entusiasmó a los pasajeros con sus especialidades, tal cual tuvieran que emprender un largo viaje. En el siguiente vagón, denominado “el vagón de los músicos”, las actuaciones “en movimiento” comenzaron con la banda La Foca.
La excelente actuación del grupo hizo subir el espíritu del tren, a toda marcha en dirección a la ciudad de La Paz. Mientras esto ocurría, en el “vagón de los poetas” y bajo la coordinación de Martín Barea, se preparaba la presentación de Ricardo Messina. El paisaje de viñedos, después de las estaciones de Las Piedras, Eldorado y Progreso, anunciaba la primera parada del tren, en Establecimiento Juanicó. El paseo fue ambientado por la música Pablo Grinjot y la Ludwing Van.
La tarde estaba muy fría, pero el tren seguía con sus movimientos sincrónicos y cada vagón aportaba sorpresas artísticas. En el de los poetas, Clemente Padín recitaba sus poesías en colectivo. La vuelta se aproximaba al centro de la ciudad, y el vagón poético viajaba al ritmo del grupo Tango Villero, revelación alternativa de la literatura montevideana. Recitaron los: “108 nombres de dios”, una selección de voces populares y no tanto que denominan al objeto de deseo del cual provenimos. Continuando con las reminiscencias y los viajes temporales, Lostmakers y Logo no alteraron modificaciones a los vagones de AFE, generando una conciencia continua de un deseo de volver a viajar en tren. Un paraíso móvil que desarrolló un encuentro artístico en el que los músicos fueron los funcionarios, bajaron las barreras, sonorizaron el viaje. El arte sobre ruedas, a la manera de “un movimiento continuo”, como anuncian los Lostmakers, planteando un destino de la escena alternativa que le encuentra sentido al rutinario circuito montevideano.

ENTREN
autor: LOGO
fecha: 2006-06-20.

Guillermo McGill

"Los sueños y el tiempo"

Baterista, percusionista y compositor, nació en Montevideo en 1965. Comienza su carrera profesional a los 15 años tocando con la Big Band del Taller de Músics de Barcelona y otras formaciones de jazz de la ciudad. En 1986 se traslada a Madrid donde comienza a tocar con la Compañía de Baile Flamenco de Manuela Vargas. A partir de entonces ha tocado junto a grandes músicos de jazz y de flamenco como Barry Harris, John Abercrombie, Kenny Wheeler, Tete Montoliu, Wallace Roney, Joe Pass, Juan Maya "Marote", Paco de Antequera, Adela la Chaqueta, Rafael Riqueni, Javier Colina, Chano Dominguez, Esperanza Fernandez, Juan Manuel Cañizares, Carles Benavent, Jorge Pardo, Enrique Morente, Julian Argüelles, Ronan Guilfoyle, Brad Meldhau, Kurt Rosenwinckel, Marc Turner, Ed Simon, Dave Binney, Gonzalo Rubalcaba, Paolo Fresu, Dave Liebman, Perico Sambeat, Marc Johnson, Eliane Elias, Giovanni Hidalgo, Furio di Castri, George Mraz, etc., grandes bailaores como Antonio Canales, Joaquín Grilo, Tomasito, Pepe Torres, La Tolea, etc., y grandes cantantes y compositores como Javier Ruibal, Martirio, Joan Manuel Serrat, Ana Belén, Marta Valdés y Armando Manzanero. Ha sido tres veces galardonado con el primer premio del Concurso Nacional de Jazz para Jóvenes Intérpretes con tres formaciones diferentes y un premio a la mejor composición original. Asimismo obtuvo el primer premio del Concurso Nacional de Composición de Jazz de 1993 otorgado por la S.G.A.E. Ha impartido clases en el Conservatorio de la Haya, el Taller de Músics de Barcelona, el Conservatorio de Pekín, la Escuela de Música Creativa, el Taller de Músicos de Madrid, el Seminario Internacional de Zarautz, la Universidad de Santa Fé de Bogotá, Universidad Carlos III, Conservatorio de Majadahonda, etc.

En diciembre de 1999 publica su primera obra titulada "Los sueños y el tiempo" en formato de libro-cd, con nueve composiciones originales y una selección hecha por él mismo de textos de doce libros de María Zambrano. En este disco colaboran Julian Argüelles, Chano Dominguez, Javier Colina, Rodolfo Mederos, Efraín Toro, Eva Durán, Juan Diego, Raúl Rodriguez, Paloma Alfonsel, Victor Ambroa y Jorge Pozas. También en diciembre de 1999 dirige el espectáculo "El jazz viene del sur" encargado por el Teatro Central de Sevilla, en el que participan David Peña Dorantes, Esperanza Fernández, Juan Carlos Romero, Manuel Soler, Ed Simon, Dave Binney y Javier Colina.Ha compuesto la banda sonora del corto "Circo de pulgas" de Jesús Nieto y , junto con Juan Cortés, la sintonía de cabecera y la música para las coreografías de Rafael Amargo para el programa de RTVE "Risin". En Mayo del 2000 compone la obra "El Júbilo"por encargo del Teatro de la Maestranza de Sevilla, interpretada por Esperanza Fernandez, un quinteto de cuerdas, piano, harmónica y percusión.En el 2001y el 2002 participa en la grabación y gira mundial de la película "Calle 54" dirigida por Fernando Trueba junto con el sexteto de Chano Dominguez, y en trío con Eliane Elias y Marc Johnson. En abril del 2002 realiza una gira y graba su segundo cd titulado "Cielo" en el que participan Julian Argüelles, Bernardo Sassetti y Tjitze Vogel

En febrero del 2003 actúa dos días en el Lincoln Center de Nueva York con el sexteto de Chano Dominguez y Wynton Marsalis, con los que vuelve a actuar en los festivales de Vitoria, del Grec, en Barcelona y en el Palau de la Música de Valencia. Ese año realiza asimismo la producción del primer disco del joven pianista flamenco Juan Cortés y la producción y arreglos sobre temas de Edith Piaf para la joven cantaora y bailaora Ana Salazar, al cual recientemente le ha sido concedido el premio a la mejor producción no francesa de la SACEM, la sociedad de autores gala. A comienzos del 2004 graba junto a Martirio, Chano Dominguez y George Mraz en el contrabajo el segundo cd dedicado a la copla española, con una Big Band y la Orquesta sinfónica de la R.T.V.E. Participa en la grabación y diseño de la percusión de la banda sonora de la película de Miguel Bardem, Incautos, con música compuesta por Juan Bardem, galardonada con el premio a la mejor banda sonora en el Festival de Cine de Málaga 2004. En septiembre del 2004 se publica el tercer CD, "Oración", en el que cuenta, además de su cuarteto habitual (Julian Argüelles, Bernardo Sassetti y Tjitze Vogel.


9 tracks in playlist, average track length: 6:40

Estimated playlist length: 53 minutes 21 seconds.256kbi.

"Los Sueños y el Tiempo"
1. Oriental
2. Paloma
3. El sueño creador
4. Nana de luna
5. Metáfora del corazón
6. Alegrías del río de la plata
7. Los sueños y el tiempo
8. Sobre el alma

9. Vida

Créditos:1999
Julian Argüelles, Rodolfo Mederos, Chano Domínguez, Javier Colina, Efraín Toro, Eva Durán, Raúl Rodríguez, Juan Diego, George Colligan, Victor Ambroa, Jorge Pozas, Paloma Alfonsel.
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Aquellos Viejos Discos (Jethro Tull)

En este nuevo ciclo de "Aquellos Viejos Discos" trataremos de recordar los viejos vinilos que escuchábamos en los 60-70.
Las influencias musicales para muchos de nuestra generación, aquellos Lp's que llegaban con cuentagotas al Uruguay y que nos juntábamos en la casa de algún amigo que tuviera un "Tocadiscos"para poder escucharlo y analizarlo horas hasta gastarlo..!!

(Parte:I)

"Jethro Tull"

Jethro Tull es el nombre de una banda de rock progresivo británica, de origen escocés, que comenzó en 1968 y que, desde entonces, ha trabajado de forma interrumpida hasta el día de hoy, siendo, tras los Rolling Stones el segundo grupo de rock más antiguo todavía en activo. Desde sus inicios, ha sido liderada por el virtuoso flautista Ian Anderson. La banda logró mucha popularidad en la primera mitad de los años setenta con álbumes históricos en la historia del rock como Thick As A Brick y Aqualung, y llegó a convertirse en un grupo de culto.

Su primera formación estuvo integrada por Ian Anderson (voz, flauta y guitarra acústica), Glenn Cornick (bajo), Clive Bunker (batería) y Mick Abrahams (guitarra eléctrica). Su álbum de debut fue This Was. Al poco tiempo, Mick Abrahams se separó del grupo y fue sustituido por Martin Lancelot Barre, que forma parte del grupo desde entonces.

Su música, encuadrada en el rock progresivo, constituye una mezcla muy original de blues, folk inglés y hard rock, con pinceladas de música barroca, música medieval inglesa e incluso renacentista. El grupo desarrolla además una vertiente dedicada a originales canciones acústicas de difícil clasificación. En su sonido, destaca de forma particular la flauta de Ian Anderson, tocada de una forma magistral, que ha sido y sigue constituyendo una de las inconfundibles características de la banda, así como el sonido desgarrado de la guitarra eléctrica de Martin Barre, finamente entrelazado con el de la flauta de Anderson.

Durante algunos años, el grupo incluyó dos teclistas conjuntamente, con lo que obtuvo un sonido de particular colorido: los geniales John Evan y David Palmer. Este último realizaba además los arreglos orquestales. La formación también ha utilizado una gran variedad de instrumentos, barrocamente combinados, en su mayoría tocados por el propio Ian Anderson, como el laúd, la mandolina, la balalaica, el saxofón, la armónica, la gaita, el acordeón y diversas clases de flautas. Salvo contadas excepciones, todas los temas interpretados por el grupo han sido compuestos por Ian Anderson, auténtico líder y factótum del grupo. Anderson es un personaje camaleónico, tanto en su aspecto como en su capacidad para reinventar continuamente su propia música, lo cual ha permitido a Jethro Tull mantenerse joven a pesar de los años. El grupo ha pasado por diversas formaciones y estilos.
(aquí les dejo los 5 mejores Lps de J.Tull a mi gusto)

StandUp(1969)

This Was(1968)

Thick as a Brick(1972)

Aqualung(1971)

Living in the Past(1972)

Psiglo

"PSIGLO"

Héroes de papel

Aquella gran promesa de la música uruguaya(Foto de las Cuevas al Solís)

Psiglo. Enigma y atracción. Síntesis, historia, psicología, el hombre, son algunas de las palabras que vienen a nuestra mente. Más aquel nombre, hoy denostado "dinosaurio" en ese infame analfabetismo crónico y soberbio de los ácidos críticos vernáculos del presente, prosigue creciendo como leyenda y mito que se niega a morir bajo la piqueta fatal del progreso que nos impone el inconciente colectivo.

Eran otros años del Uruguay. Los setentas, fueron tiempos de grandes cambios, contradicciones y explosión cultural. Era el epílogo del proceso político y social que llevaría al tenebroso golpe de Estado del 27 de junio de 1973. Un país económicamente fuera de aquel sueño de la "tacita de plata", de la "Suiza de América" de los años 50 y sus vacas gordas de épocas de guerras mundiales. La clase media, el sostenedor de la economía y la vida político-social del país, sentía el cimbronazo del reacomodamiento laboral de una nación que vivía una crisis económica, política y social de difícil tránsito. Jorge Pacheco Areco (Partido Colorado), gobernaba el país. La industria, la agricultura y la ganadería vivían épocas de convulsión. También era la revelación pública de "la otra realidad": la corrupción desvelada, los gobernantes deshonestos, los desfalcos financieros del Banco Transatlántico y el Mercantil, el congelamiento de precios y la veda de la carne para toda la población. Un clima social revuelto, donde los especuladores hicieron su oro fácil en un mar de aguas turbias y bañadas de sangre de jóvenes estudiantes como Liber Arce, Susana Pintos, Heber Nieto y muchos otros que luchaban por un país distinto, que pudiera mirarse al espejo sin antifaz ni la sombra de los corruptos del poder. Más los débiles, que crearon las reglas de juego para esconder su condición y aletargar lo inexorable del fin de su tiempo, se negaban a aceptar que el Uruguay de la "viveza criolla" y su modus vivendi de "m' hijo el dotor" (obra clásica y emblemática del dramaturgo Florencio Sánchez)", había terminado. La lucha por el derecho al boleto estudiantil, la represión a los sindicatos en sus movilizaciones de mejoras salariales, el nacimiento de los frentes políticos de izquierda (Fidel, Union Popular), fueron algunas de las respuestas a un caldo de cultivo creado por la situación que vivía el país y sus gobernantes para imponer las represivas medidas prontas de seguridad y el ejército en la calle con su doctrina de "Defensa Nacional". Los tupamaros aparecían en actos en principio románticos, posteriormente de sangre en enfrentamientos directos con las fuerzas "del orden" de aquel entonces.

En EEUU, era el fin del reinado del clan Kennedy en el Partido Demócrata. El ascendente republicano Nixon endurecería la guerra de Vietnam y la tensión EEUU-URSS casi llega a sus cotas más elevadas. Era el inicio del fin del "American Way of life". La bandera de las 50 estrellas, luego del "susto" de Corea y la inminente derrota en Vietnam, comenzaba a deflecarse. La sociedad norteamericana ya no era la misma, luego del "milagro del plan marshall" y comenzaba a resquebrajarse. En medio de toda esa revuelta, Cassius Clay se convertía al islamismo en Muhammad Ali y perdía su corona mundial de box al negarse a combatir en Vietnam. Eran los años del ascenso del "black power" de la comunidad afro-americana, con Malcolm X y Martin Luther King como principales líderes. El islamismo, proveniente del roce militar durante la segunda guerra mundial y la reciente de Corea, se instalaba con firmes raíces en la clase media norteamericana y los sectores intelectuales del país del norte. Nacían los poetas beatniks como Jack Kerouac y William Burroughs, trovadores del "hombre nuevo".
"Aullido", sería el génesis del "heavy metal thunder" de aquel himno "Born to be wild" de los rockers Steppenwolf en el filme "Easy Rider" que sería la antesala del sentir de la multitud hippie de Woodstock en el verano de las flores del '69: paz y amor. Sexo libre y drogas, espiritualidad y antimaterialismo. Un hombre nuevo para cambiar el mundo. A consecuencia de la creciente guerra fría y el ingreso de Cuba en el bloque socialista, el planeta estaba expectante. En Europa, se vive el mayo frances de los estudiantes universitarios. El mundo, parecía cambiar el giro de su eje.

En Uruguay, la cultura vivía uno de sus períodos más febriles y de mayor expresión creativa. La literatura, vivía el auge de la llamada "generación del 45", de las cuales surgirían grandes autores como Mario Benedetti, Eduardo Galeano y Juan Carlos Onetti. Las salas del llamado Teatro Independiente fueron el baluarte y lugar común para la expresión de todas las vertientes artísticas. La música popular uruguaya, nacida de las experiencias de los Shakers ("Los Beatles uruguayos, según la revista argentina Pin Up) de los hermanos Osvaldo y Hugo Fattoruso, músicos de jazz provenientes del Hot Club serían el antecedente junto a Gastón "Dino" Ciarlo y su insigne canción "Milonga de pelo largo". Uruguay, estaba de parto. El alumbramiento ocurriría en las llamadas "Musicasiones", de la mano de Eduardo Mateo, Ruben Rada y El Kinto (primer experiencia del candombe beat). Los bailes de "La Cabaña" (Carlos Martins), fueron otro vehículo importante para aquella cultura juvenil. Inspirados en Cream y la figura de Eric Clapton, nacen los power tríos: Opus Alpha y Dias de Blues.
Totem, de la mano de Ruben Rada y Eduardo Useta, funda en "Descarga", el candombe beat. La sociedad charrúa tendría el eco de estas movidas a través de eventos como el Festival del Parque Harriague (departamento de Salto) y, fundamentalmente, de "Discodromo" (en Radio y TV) de Ruben Castillo, mentor de un hito en la difusión de la nueva música popular uruguaya de estos años y maestro supremo de futuras generaciones radiales y televisivas.

"Cuando adolescente tuve un sueño, estaba en un escenario con una batería blanca, tocando con un grupo que se llamaba Siglo... Parece increíble, más años más tarde se hizo realidad", me afirmó una vez para la revista "Epopeya" ( Argentina) Gonzalo Farrugia, baterista de la banda que cambió la historia de la música uruguaya y el rock en el Río de la Plata de aquel entonces.

El barrio La Figurita, con sus callecitas de farolitos y empedrados que tienen "ese que se yo", como decía el polaco Goyeneche, fue el testigo de aquel sueño que olía a espíritu juvenil. Cuatro amigos, César Rechac en bajo, Luis Cesio en guitarra, Jorge García Banegas en teclados, Gonzalo Farrugia en batería en sustitución de Carmelo Albano y Ruben Melogno, el prometedor cantante de Ovni 87, serían los que labrarían Psiglo en aquella servilletita de bar de General Flores y Garibaldi.

Cinco cabezas para una sola, como aquel emblemático cerebro de "Ideación", primer LP de oro de la historia del rock uruguayo, creado por el artista plástico, escenógrafo de Canal 5 y cantante de la banda, Ruben Melogno. Psiglo, es la consecuencia de todo un proceso histórico en Uruguay y uno de los frutos de una generación que vivía inmersa en una gran explosión cultural. Con notorias influencias clásicas y bluseras de bandas pilares del hard rock inglés como Deep Purple, Uriah Heep y King Crimson, agregaron una particular visión del mundo de hoy en temas como "Cambiarás al hombre", con sus aires a "Fireball" de Deep Purple y su mundo de sueños de un hombre nuevo en "Vuela a mi galaxia", un tributo a "Easy Livin" de Uriah Heep y "Highway Star" de Deep Purple que 20 años más tarde versionarían los postpunks Séptimo Velo y los heavys Alvacast. La introducción de percusión y elementos del candombe en su pop song e himno "En un lugar un niño". La mezcla de elementos "progresivos" a la Emerson, Lake & Palmer en "Piensa y lucha" y el blues in crescendo de "Es inútil", hablaba de la versatilidad estilística y la capacidad instrumental pocas veces vista y cristalizada en "Ideación", primer magnum opus del conjunto.

"Psiglo II", fue la madurez y el punto más alto a nivel compositivo. Con César Rechac en sustitución de Cesio en la guitarra y Gustavo "Mamuth" Muñoz en el bajo (posterior Mona Lisa, Jesus Figueroa, José Luis Perez, entre otros), viajan a grabarlo en Buenos Aires (Argentina) con el fin de asentarse en un medio que los había recibido con los brazos abiertos luego de sus apoteósicas veladas en los festivales B.A. Rock (71-72). Un LP casi conceptual y multifacético, adelantadísimo para aquella época en el Río de La Plata.

Más también, ha sido una febril cuna de héroes fuera de fronteras: Gonzalo Farrugia (Crucis, Argentina), Freddy Ramos (Ritual, Suecia y Jon Anderson Band en EEUU), Jorge García Banegas (Asfalto, España) y Hermes Calabria (Barón Rojo, España).

"Ideación" y "Psiglo II", han sido editados en países como Argentina y Brasil. Para muchos, aquellos LPS junto a "Los delirios del Mariscal" de Crucis y "La Biblia" de Vox Dei, son el equivalente del subdesarrollo sudamericano de obras supremas como "Machine Head" (Deep Purple), "Going for the one" (Yes), "Lizard" (King Crimson) o "Demons & Wizards" (Uriah Heep).

Aún hoy, son considerados uno de los más importantes grupos de la historia del rock sudamericano y publicaciones europeas los sitúan entre los 20 más importantes de la historia del género denominado "hard rock progresivo" junto a Uriah Heep, Deep Purple, Led Zeppelin y King Crimson, entre otros.

Durante años, el mito de Psiglo creció y alimentó el fervor y ansia popular de verlos en acción otra vez ya que su silencio, impuesto por la soberbia del poder del terror militar, no pudo acallar la leyenda de la banda. Hasta que en 1993 y luego de una sinopsis junto a los ascendentes Níquel, se integran sin quererlo a toda aquella corriente revival de los años noventa y su "vale todo" de la generación X. Por fin, ese sueño colectivo se concretaba: Psiglo, y en vivo. Ya no soñaríamos más despiertos escuchándolos en "Meridiano Juvenil" (CX 26 Sodre) del inmortal José Nuñez ni en aquellas ondas del fallecido maestro Enrique Pereyra y su "Rock hasta el mediodía" (El Dorado FM.100.3). En vivo y en directo, en un evento que congregó a 6000 personas en la Estación Central de Trenes de AFE en Montevideo demostrando la convocatoria y aceptación de un público multigeneracional. Con algunos pelos y canas menos en algunos instrumentistas, demostraron que, como dice aquel tango, "quien me quita lo bailado" y "por algo fui malevo de estas calles". Es cierto, eran los años dorados del rock grunge y su "no future", aquel mismo que tildó de dinosaurios a sus congéneres como Jethro Tull y que hoy los trataba con igual tenor cuando ni siquiera habían nacido en los setentas. Pero como cosa quijotesca (de la mano de Luis Cesio), la ley era otra en el cinturón del hoy: "ladran sancho, señal de que cabalgamos". Otro cd hubiera sido lo esperado por todos, pero que decir de un sueño de una noche de verano hecho realidad.
Seis años después, de la mano de Rosario Castillo y Claudio Picerno, se realizaría un homenaje a Ruben Castillo, maestro de la radiofonía y la televisión uruguaya. Un hombre al cual la música popular uruguaya y el rock de aquellos años le debían un más que merecido homenaje. Un Teatro Solís de pie y en aplauso cerrado, como aquel de la presentación de "Ideación" tres décadas atrás, obligaron a una noche más en "La Factoría", recinto del rock por excelencia en Montevideo. La nave, quería volar una vez más.

Aquella reunión de Psiglo, marcaba un hito en la historia de la música uruguaya. Era un deseo del sentir colectivo, una especie de "lo que pudo haber sido", el eterno látigo del destino y de la suerte, esos viejos zorros, crueles y embusteros que se llevaron aquellas flores de ensueño. Más también y al igual que con la vuelta de Alfredo Zitarroza, el Sabalero y Los Olimareños, entre otros, se cerraba un capítulo de la cultura uruguaya y el broche ¿final? de una parte importante de la identidad nacional.

"Psiglo, ideación y después", titulábamos en el diario "La República" de aquellos años. Y no son solos postales amarillentas olvidadas en un cajón empolvado de recuerdos. Los ídolos del hoy continúan nutriéndose de aquella ambrosía de filosofía y música que fue la obra de estos cinco músicos. Es la mejor herencia que puede recibir la música sudamericana del presente, el legado vivo de aquellos que, como el principito de Antoine Saint Exupery, creían que había que buscar la belleza mirando más allá del horizonte.

Ojalá que Psiglo no se convierta en el Maracaná de la música uruguaya, la última gloria de una raza que ya no existe y todos empecemos a creer de una vez por todas que, realmente, el sur también existe.

Ernesto Sclavo

(1pr simple de Psiglo)

1:Un lugar un niño. 2:Gente sin camino.

"Psiglo/ I & II"01 SIENTEME
02 EN UN LUGAR UN NIÑO
03 CATALINA
04 VUELA A MI GALAXIA
05 NUESTRA CALMA
06 ES INUTIL
07 NO ME PREGUNTEN PORQUE
08 PIENSA Y LUCHA
09 CAMBIARAS AL HOMBRE
10 HEROE DE PAPEL
11 CONSTRUIR DESTRUIR
12 NO TIENE RAZON DE SER
13 EL JUGLAR Y YO -14 GIL 1038
(Link en comentarios)

VAMO ARRIBA DANUBIO

Danubio Campeón Uruguayo 2006/07
"Gooooollll...Gracias Muchachos"

Danubio se consagró Campeón Uruguayo 2006/07. Venció por 4:3 a Peñarol en la definción por penales (1:1 en los 120') y conquistó el torneo Clausura. El franjeado hizo tabla rasa: Apertura, Clausura y tabla anual. Danubio es Tri-Campeón Uruguayo (1988, 2004 y 2006/07).

CAMPEON DE TODO: CLAUSURA Y URUGUAYO EN EL CENTENARIO
Danubio en la Curva de la gloria...
La pena máxima de los penales se convirtió en la alegría colosal. Danubio en la Curva de la gloria: Campeón del Clausura y de la Copa Uruguaya. Vuelta olímpica en el Centenario. Empató 1:1 en los noventa y en el alargue hasta la felicidad del brindis.

www.danubio.org.uy

Eduardo Mateo

"Hoy se cumplen 17 años de su desaparición física"(Mandrake)Wolf: vos sabés que él cuando entró al hospital,entró como un guri chico!

Me acuerdo que se sentó en una cama,y tenía una enfermera que estaba divina,y el loco le entró a hablar y la sedujo a la mina,vos sabés!! "pero tenía un swing",se hizo de la casa con dos,tres días,yo qué sé.
El lo que no quería es que le pincharan la barriga,viste! pero no bien,el tipo siempre estaba tirando energía.
Yo sólo lo vi de cama los últimos días,pero siempre pa'delante.
'Taba inquieto,no!,más bien.
Pero nunca lo vi onda entregado.

(Recuerda su hermano Carlos)
A muchos les comentó que sentía miedo,ese día se lo repitió a su hermano Carlos,quien le preguntó:"miedo a qué?",a eso que se viene>Carlitos le insufló coraje,le agarró la mano,y Mateo empezó a hablar en inglés,en ese falso inglés con que cantaba"Blackbird" o "Lovely Rita"dijo sus"últimas palabras",en seguida de ese pequeño chiste se murió.
Eran cerca de las 23:30 horas del 16 de mayo de 1990,la fecha en que iba a estrenar el espetáculo con Fernando Cabrera y Los Terapeutas.

"La Carpeta Azul"(canciones de E.Mateo por otros)

Jorge Nasser

"Jorge Nasser/Carritos de mi Ciudad"
(Gentileza de nuestro colaborador"DiegoRey")

Miles Davis

"Por Siempre Miles"(foto de Jeff Sedlik)
Miles Dewey Davis (Alton, 26 de mayo de 1926 - † Santa Mónica, 28 de septiembre de 1991)

Davis era hijo de un dentista, Dr. Miles Dewey Davis, Jr., y de una profesora de música, Cleota Mae (Henry) Davis; crece, por tanto, en una familia negra de clase media del este de San Luis, tras haberse trasladado allí la familia tras su nacimiento. Empezó a interesarse por la música durante su infancia y hacia los doce años empezó a recibir clases de trompeta. Mientras cursaba el instituto, empezó a conseguir trabajos tocando en bares locales y a los 16 ya tocaba fuera de la ciudad durante los fines de semana. A los 17, se unió a los Eddie Randle's Blue Devils, una banda regional de San Luis.

Su primer éxito musical se produjo en 1944 cuando, tras graduarse, pudo tocar con la banda de Billy Eckstine que estaba de gira por la ciudad y que contaba entre sus músicos con Charlie Parker y Dizzy Gillespie, artífices del emergente estilo bebop, caracterizado por su rapidez en la interpretación, solo inventivos y variaciones rítmicas muy dinámicas. El Davis joven, que venía de un estilo completamente diferente, hubo de amoldarse a la novedad. Lo hizo abandonando el medio oeste para asistir a las clases del Institute of Musical Art en Nueva York en septiembre de 1944.

Se puso a tocar muy pronto en distintos clubes junto con Charlie Parker y hacia 1945 abandonó sus estudios académicos para dedicarse por entero a su carrera como jazzista, en principio uniéndose a la formación de Benny Carter y haciendo sus primeras grabaciones como acompañante. Tocó de nuevo con Eckstine durante 1946-1947 y se convirtió en miembro del grupo de Parker durante 1947-1948, haciendo su grabación de debut como líder de una formación en una sesión de 1947 en la que también participarían Parker, el pianista John Lewis, el bajo Nelson Boyd y el batería Max Roach. Fue un hecho aislado y Davis pasaría la mayor parte de su tiempo tocando como respaldo de Parker. Sin embargo, durante el verano de 1948, Davis organizó un grupo con nueve músicos con una inusual sección de viento. Además de su trompeta, había un saxo alto, un saxo barítono, un trombón, un cuerno francés y una tuba.

Este noneto, basándose en los arreglos de Gil Evans y otros, tocó durante dos semanas en el Royal Roost de Nueva York en septiembre de 1948. Consiguen un contrato con Capitol Records y el grupo entra en un estudio en enero de 1949 para grabar la primera de las tres sesiones de las que surgieron 12 temas que, en principio, no llamarían excesivamente la atención. El relajado sonido del grupo, sin embargo, repercutió en los músicos que tocaban en él, entre los que estaban Kai Winding, Lee Konitz, Gerry Mulligan, John Lewis, J.J. Johnson y Kenny Clarke, y tuvo una enorme influencia en el desarrollo del cool en la costa oeste. En febrero de 1957, Capitol editó los 12 temas en un LP llamado Birth of the Cool.

En 1949 Davis lideraría una nueva formación con el pianista Tadd Dameron. En mayo de ese año se acercarían a París para participar en el Paris Jazz Festival.

A comienzos de los años cincuenta la carrera musical de Davis se vio afectada por su adicción a la heroína, realizando unas interpretaciones y grabaciones poco elaboradas. Pero ya en enero de 1951 inició una larga serie de grabaciones para el sello Prestige que se convirtieron en su obra más relevante durante muchos años. A mediados de la década consiguió deshabituarse de la droga y causó enorme impresión tocando "'Round Midnight" en el Newport Jazz Festival en julio de 1955, interpretación que le valdría un contrato con Columbia Records.



El contrato le permitía mantener un grupo permanente y así fue como organizó un quinteto formado por el saxofonista John Coltrane, el pianista Red Garland, el bajo Paul Chambers y el batería Philly Joe Jones. Su primera grabación, Round About Midnight, la realizarían en octubre de 1955. Al tiempo, debió completar los cinco discos que le faltaban por grabar para Prestige, entre lo que se encuentran los muy elogiados Cookin', Workin, Relaxin y Steamin. En mayo de 1957, solo tres meses después de la edición por parte de Capitol de Birth of the Cool, Davis se unió otra vez al arreglista Gil Evans para su segundo disco con Columbia, Miles Ahead. Tocando en esta ocasión el fliscornio, Davis se puso en 1958 al frente de una big band para llevar más lejos el concepto musical de Birth of the Cool y añadir alusiones clásicas.

En diciembre de 1957, Davis regresó a París, donde improvisó la música para la película L'Ascenseur pour l'Echafaud. Jazz Track, un disco que contenía esta música, le hizo conseguir en 1960 una nominación para los Grammy como mejor interpretación de jazz.

Crea luego el Miles Davis Sextet al contratar al saxofonista Cannonball Adderley. Graban Milestones en abril de 1958. Inmediatamente después, Red Garland es reemplazado al piano por Bill Evans y Jimmy Cobb sustituye a Philly Joe Jones en la batería. En julio, Davis vuelve a colaborar con Gil Evans y una orquesta en un disco de música para Porgy and Bess. De vuelta con su sexteto, Davis comienza a experimentar con la música modal, basando sus improvisaciones en escalas antes que en cambios de acordes. Llega así a su nueva grabación, Kind of Blue, de marzo y abril de 1959, disco que se convertiría en un hito del jazz moderno y en el más popular de toda su carrera, con una ventas superiores a los dos millones de copias. Graban junto a Davis: John Coltrane, Bill Evans, Wynton Kelly, Paul Chambers, Jimmy Cobb y Cannonball Adderley. En nuevas sesiones de noviembre de 1959 y marzo de 1960, Davis seguiría de nuevo colaborando con Gil Evans, grabando Sketches of Spain, que contiene música española tradicional y composiciones originales bajo los modelos de ese estilo. Consiguen nominaciones y un premio en los Grammy.

John Coltrane, sin embargo, había decidido formar su propio cuarteto, lo que significaba que Miles Davis debía buscar un nuevo saxofonista para su quinteto. Si bien Coltrane siguió tocando con Miles en las giras, en las grabaciones el trompetista utilizó diversos saxofonistas: Sonny Stitt, George Coleman, Hank Mobley, pero el encuentro con Wayne Shorter significaría la formación de su segundo quinteto clásico, y al mismo tiempo un nuevo giro a su música. A fines de 1964 establece el quinteto que le conoceríamos durante el breve pero prolífico tiempo que sigue hasta 1968 formado por Wayne Shorter en saxo tenor, director musical y compositor, Ron Carter en contrabajo, Herbie Hancock en piano y el joven Tony Williams en batería. Todos y cada uno de ellos aportaron algo nuevo a la sonoridad de Miles Davis instalando en su quinteto una estética a medio camino entre el modalismo hardbop experimentado hacía esa época por el propio Miles y la vanguardia free tan en boga en músicos como Ornette Coleman. La grabación de los siguientes discos de Columbia con la producción del visionario Teo Macero coloca en su discografía títulos como "E.S.P." , "Miles smiles" o "Nefertirti". Pero el impulso musical de este quinteto sería tal que prontamente el quinteto tomo una nueva dirección. Miles admiraba a músicos como Jimi Hendrix o Sly and the Family Stone y quizás envidaba como esos "músicos negros" podían llenar estadios y vender millones de discos. La búsqueda de Davis no fue en vano, "Filles de Killimanjaro" y -sobre todo- "In a silent way" permitieron una vez más que Miles Davis fuera la vanguardia de un nuevo jazz, el jazz rock.

Miles Davis había cambiado a Ron Carter por el inglés David Holland, con él llegó el guitarrista John McLaughlin, se unió Chick Corea como segundo tecladista y también el austríaco Joe Zawinul. Con esta banda se graba "In a silent way" y luego "Bitches Brew", elepés que vendrían a cambiar definitivamente la escena del jazz y dominaría toda la escena de la década del setenta. Por esos combos pasaron músicos como Bennie Maupin, Keith Jarrett, George Benson, Billy Cobham, Jack de Johnette, etc. El jazz rock motivó posteriormente que todos estos músicos -salvo Keith Jarrett que optó por caminos acaso muchos más personales- experimentaran con la fusión del jazz y el rock con distinto éxito:

Herbie Hancock formó los Headhunters con Bennie Maupin, Wayne Shorter y Joe Zawinul formaron "Weather Report" con Jaco Pastorius"; John McLaughlin la "Mahavishnu Orchestra" con Jean Luc Ponty, Jerry Goodman, Rick Laird, Jam Hammer y Billy Cobham; Chick Corea forma la banda "Return to forever" con Stanley Clarke entre muchos otros; "Dreams" de los hermanos Randy y Michael Brecker, etcétera.

La falta de nuevas ideas, su afición a las drogas y un aparatoso accidente apartaron a Davis de la escena musical durante un largo periodo. Volvió al candelero en la década de los 80 con grabaciones como Decoy, Aura, The Man with the Horn o Tutu en las que se deja llevar por las nuevas tendencias. Los ritmos funk y el inicio prematuro del acid jazz marcan sus últimos trabajos.



Por mientras, desde principios de los ochenta, la corriente principal del jazz haría renacer el bop en manos y boca de un nuevo heredero en la tradición trompetística: Wynton Marsalis.
Miles fallece tempranamente en 1991 y tras él queda un enorme legado de incesantes búsqueda y el récord de haber sido quizás la mayor escuela del jazz contemporáneo.

José Luis Pérez

"José Luis Pérez(JLP) un Baterista con Presencia"

Los comienzos (1962–1970)

José Luis Pérez nació en Montevideo el 13 de octubre de 1952. A los nueve años comenzó sus estudios de batería junto a Sergio Ohannian, dominando prontamente todos los rudimentos de cumbias, rumbas, boleros y samba brasileña. Siendo aún un niño, pasó a integrar la orquesta de su maestro, la “Jazz Clave Azul”, célebre animadora de los bailes del Palacio Sudamérica y de Quinta Casa de Galicia entre otros. Pérez no escapó a la magia de la década del 60, y se vio atrapado por la música de los Beatles y fundamentalmente por el rhythm’n’blues inglés de la mano de los Rolling Stones. Llegó la Psicodelia, Jimi Hendrix, Santana . . . y, como no podía ser de otra manera, fundó varios grupos de rock que intentaron hacer covers de los nuevos sonidos. Pero al mismo tiempo también se vio atrapado por la música de Eduardo Mateo quien con su conjunto El Kinto había sentado las bases de una nueva música popular uruguaya. Ocurre que Pérez ha estado siempre en una permanente búsqueda de un camino hacia una apertura total del panorama musical.

Los nuevos maestros (1971–1972)

Y esa búsqueda lo lleva al jazz. Estudia con Julio Guglielmi y con Aldo Caviglia, que en poco tiempo no tienen más para enseñarle. Su energía no le permite quedarse quieto. Encerrado en su casa de la calle Faimallá se devora los discos de John Coltrane y de todos aquellos en donde participan los grandes bateristas de jazz. Dedica diez horas diarias a la práctica y al estudio del instrumento a partir de los difíciles (pero esenciales) libros dedicados al tema. Así logra desentrañar y dominar las técnicas de los notables Max Roach, Joe Morello y Elvin Jones, sus nuevos maestros. Su talento creador, su sensibilidad, su potencia y su feeling están ahora sustentados por una técnica envidiable. Y recién estamos en 1972.

El despegue (1972–1974)

Con motivo de la actuación del grupo Vida (de Carlos “Pájaro” Canzani), a mediados del 72, un artículo periodístico a cargo de Arnaldo Salustio saca a José Luis Pérez del anonimato. Aldo Caviglia emigra hacia España y le deja todos sus alumnos. Con tan sólo veinte años, Pérez se convierte en profesor de decenas de muchachos y en uno de los protagonistas del movimiento de rock uruguayo de los primeros setenta. El productor Alfonso López Domínguez (por entonces manager de Totem y de Psiglo) le propone presentarse solo con su batería en los multitudinarios bailes de la época. Pérez se hace tiempo para trabajar en obras de teatro en donde comparte el escenario con Jaime Roos y Walter Benencio. A comienzos de 1974, Luis Cesio abandona Psiglo y funda el grupo Ceibo. No puede encontrar mejor compañía que la de Pérez para poner las bases rítmicas de sus nuevas ideas de fusión del rock con los ritmos latinoamericanos. Y es por esta época que se llega a concretar una de las experiencias más ricas en cuanto al free–jazz en nuestro país. Pérez, “Pocho” Macadar (bajo), Raúl Lema (saxo) y Nelson “Pito” Varela (saxo), se constituyen en el Expression Jazz Quartet, una banda que barre con todos los concursos del género y que es aclamada por roqueros y jazzistas por igual.

Argentina y Brasil (1975–1978)

Entre 1975 y 1977 viaja a Argentina y pasa a integrar el famoso grupo argentino Arco Iris. En sus vueltas por Montevideo integra Karma (Pérez, Pippo Spera, Eduardo Márquez del Signore y “Pato” Rovés), con quienes realiza una gira por Brasil (de allí surgen los contactos con Milton Nascimento). Con Arco Iris graba el LP “Los Elementales”, que es catalogado por la crítica como uno de los tres mejores discos del 78 (los otros dos fueron “Películas” de Charly García con La Máquina de Hacer Pájaros, y “Los Delirios del Mariscal” del grupo Crucis). Cae en una razzia y es víctima de una paliza. Huye, pero en nuestro país las cosas no están mejor. La dictadura había hecho lo suyo y no quedan alumnos, ni jazz, ni rock. En ese ambiente desolador, Pérez funda Siddhartha, banda que trae una bocanada de libertad, la libertad del jazz–rock. De todos modos, fueron los peores momentos: “Arroz con pan y agua”. Ante este panorama, Pérez no desfallece. Hace cursos intensivos de inglés para lanzarse al “gran viaje”.

El gran viaje (1980–1986)

Llega a New York en 1980 y actúa con “Tito Puente Big Salsa Band”, “Larry McRae”, “Malo” (grupo de Jorge Santana, hermano de Carlos Santana), “Angel Canales Salsa Band”, “Saffo” y “Monty Waters”. Se contacta con el extraordinario saxofonista uruguayo Héctor “Finito” Bingert que reside en Suecia. Bingert y Pérez fundan Latin Lover, banda que desparrama música, candombe y amor latino por toda Escandinavia y Europa entre 1982 y 1986. Realizan giras, discos, filmaciones y presentaciones en los más importantes festivales de jazz de Europa.

Uruguay (1987–1991)

En 1987 regresa a nuestro país y (acompañado de Gustavo "Mamut" Muñoz, Gonzalo Gravina, Leonardo “Bolsa” Amuedo y Guillermo Pelossi) graba “El 13: la fuerza del destino”, un extraordinario disco de fusión. En el verano de 1991 con el auspicio del Ministerio de Cultura de Suecia, Latin Lover realiza una gira por el sur de Brasil y Montevideo. Esta vez, el grupo cuenta con la participación de Mats Oberg, tecladista no vidente que llegara a tocar con Frank Zappa.

De vuelta en Estados Unidos (1991–1996)

En marzo de 1991 José Luis Pérez pasa a radicarse en Los Angeles (California). En este período tiene una extensa actividad junto a diversos músicos de jerarquía internacional que requieren su colaboración. Cabe resaltar los trabajos de Pérez junto a:

*Dr. Yusef Lateef (saxofonista, ex integrante de la banda de Dizzy Gillespie junto con John Coltrane).

*Charles Moore (trompetista y doctor en etnomusicología) y Fowler Brothers (músicos integrantes de la banda de Frank Zappa).

*Jon Anderson (cantante del célebre grupo YES).

*Tommy Eyre (tecladista que ha trabajado con B.B. King, The Rolling Stones, Ian Gillan, John Mayall, Gerry Rafferty, y que fue el arreglador de la versión de “With a little help from my friends” que hiciera mundialmente famoso a Joe Cocker en Woodstock 69).

*Scarlet Rivera (ex violinista de Bob Dylan).

*Adam Rudolph (notable percusionista creador de “Moving Pictures”).

De esta misma época es su conjunción con los uruguayos Freddy Ramos y Eduardo Márquez del Signore (también radicados en L.A.). Los tres juntos dan lugar a Ritual, uno de los más importantes testimonios vivos de dónde puede llegar la música uruguaya cuando se nutre de toda una gama de diversidades. El CD Presencia de Ritual es grabado y editado en Estados Unidos en 1994 y hoy recorre todos los continentes sorprendiendo a los aficionados provenientes de las más diversas culturas. También en Estados Unidos, el dúo Pérez–Ramos crea Flip Flop, disco que fue catalogado como uno de los mejores de 1995 por parte de las revistas Modern Drummer y Jazzis.

De vuelta en casa (1997)

El 17 de junio de 1997 se presenta junto a Ritual y a Tommy Eyre en un histórico concierto en el Teatro Solís de Montevideo. Integra la Banda Oriental (grupo de jazz de Elbio Rodríguez Barilari), acompaña al compositor y bandoneonista Luis di Matteo y también a Jesús Figueroa en la grabación de su CD Azulema. Compone e interpreta la música del video clip Infundia que representó a nuestro país en festivales de cine realizados en Buenos Aires y San Pablo. Escribe el libro Desenvolviendo Candombe Total, que contiene los tradicionales ritmos del candombe con sus adaptaciones a la batería. En 1999 finaliza la producción del video Candombe Total (65 minutos) en donde se incluyen clases de batería para candombe, los video–clips ‘October 13th’ , ‘The eternal traveller’ e ‘Infundia’, parte de la actuación de Ritual en el Teatro Solís, varios solos de batería y una reseña biográfica del artista a cargo de Atilio “Macunaíma” Duncan, José María Barrios y Fernando Peláez. Este video ya está a la venta en Uruguay y es inminente su edición internacional. Como en todas las épocas, José Luis Pérez continúa dictando cátedra.



www.joseluisperez.net

Lobby Loyde

"Hasta el Próximo Blues Lobby"

Lobby Loyde (18 de mayo de 1941 - 21 de abril de 2007) era un guitarrista de rock australiano, compositor y productor.

Loyde fue la figura principal de la escena del rock australiano de los años 1970, en particular como miembro de las bandas Billy Thorpe & the Aztecs y los Coloured Balls.Conocido por su técnica con el plectro(púa)en la guitarra, Loyde inspiró una legión de músicos australianos, y también fue citado como una influencia por músicos internacionales como Kurt Cobain y Henry Rollin.
Nacido en Longreach, Queensland como John Baslington Lyde, él primero vino a la prominencia bajo el nombre Barry Lyde en Brisbane rhythm and blues y Purple Hearts en 1965. En enero de 1967, se marchó para unirse a la segunda reagrupación de Melbourne band Wild Cherries, y él escribió la mayor parte de las canciones de los cuatro simples para la etiqueta Festival label.

The Coloured Balls como los cabezas rapadas que tocan punk rock , aproximadamente cuatro años antes de que el punk surgiera. Los bailes y conciertos alrededor de Melbourne se hicieron campos de batalla entre cuadrillas de cabeza rapadas rivales, abastecidas de combustible por la música de Coloured Balls. La banda edito su álbum de estreno, el Ball Power en 1973. Loyde edito el álbum críticamente aclamado Obsecration basado en musica instrumental.

Loyde vivio en el Reino Unido durante varios años, al parecer infeliz con los medios de comunicación australianos por crear una figura de el muy errada por insinuar de que su música creaba las peleas de los skinhead. Viviendo en el Reino Unido, él escribió una novela de ciencia ficción y registró un álbum "de banda sonora" de concepto de acompañamiento: Beyond Morgia: The Labyrinths of Klimster. El manuscrito fue destruido, y ninguna película fue producida de la historia, pero los cassettes originales del álbum fueron encontrados y editados en Australia en 2007.

En 2005 él fue diagnosticado con el cáncer pulmonar, y un concierto de ventaja en Melbourne (en el cual Loyde toco su guitarra) juntaron 90,000 dólares para sus gastos médicos. También fue nombrado para el ARIA Hall of Fame in 2006. un colega y amigo, Angry Anderson de Rose Tattoo dijo que Loyde: Mas que cualquier otro guitarrista australiano Lobby fue el creador de un sonido original australiano en la guitarra . Mucho antes que Angus (Young) o Billy Thorpe o the Angels o Rose Tattoo. Lobby inspiró a músicos australianos para avanzar en la técnica de la guitarra,en la técnica y el volumen. La gente todavía trata de copiarlo hoy día.

En agosto de 2006, Loyde Se unió a Rose Tattoo para sustituir al guitarrista Peter Wells , que había muerto de cáncer. Loyde, él mismo (grave) con cáncer, antes había tocado el bajo para la banda en los años 1970 en su retorno del Reino Unido, substituyendo a Geordie Leach. Loyde grabo un álbum as-yet-unreleased con su banda.
Loyde también trabajó como productor de grabación, produciendo álbumes como Machinations, The Sunnyboys, Kevin Borich, X y Painters and Dockers.

Lobby Loyde falleció en Box Hill, Melbourne, después de una larga batalla con el cáncer pulmonar, a la edad de 65.

(Lobby Loyde play with George Guitar,1971)

(link en comentarios)

FUNDACION EDUARDO MATEO

"Al maestro con cariño"

(fuente:Montevideo comm.12.03.07)

La Fundación Eduardo Mateo presenta una nueva propuesta, la apertura de una Escuela de Música, en el marco de un centro cultural donde habrá también exposiciones, charlas, presentaciones de discos y libros.
La Fundación Eduardo Mateo fue creada en marzo del 2006 con la finalidad de generar espacios para el encuentro, la discusión, la difusión y el disfrute por la música de Eduardo Mateo, por la música nacional, por la música de autor en general, más allá de rótulos o casilleros en los que a veces se la coloque.

En su Comisión Directiva figuran Estela Magnone como Presidente y Jorge Schellemberg como Secretario General, así como Teresa Mateo (hermana de Eduardo) y Alejandro Steineck.

Promover la realización de espectáculos es una de las formas posibles, forma en que la FEM ha incursionado desde su lanzamiento en el Teatro Solís con un concierto en el que participaron tres generaciones de músicos uruguayos, desde Chichito Cabral y Walter Cambón (compañeros de ruta de la primer etapa creativa de Mateo, con el Kinto), hasta Emiliano Brancciari o Francis Andreu (los más jóvenes), pasando por Alberto Magnone, Nego Haedo, Fernando Cabrera, Mateo x 6, Estela Magnone, y Yair Flores, entre otros.

En el pasado mes de julio la Fundación organizó los conciertos "Canciones de Darnauchans", un abrazo de otra gran cantidad de colegas que canto las canciones del Darno en dos fechas en la sala Zitarrosa.

Hoy la Fundación Eduardo Mateo presenta otro camino, otra propuesta, que será de gran impacto a nivel social, cultural, y por qué no, musical: la apertura de una Escuela de Música, en el marco de un centro cultural donde habrá también exposiciones, charlas, presentaciones de discos y libros.

La Escuela de Música

La música mejora la calidad de vida, y en ese entendimiento la Fundación trabaja preparando clases y talleres de música para jóvenes de 3 a 99 años.

Un espacio está pensado para aquellos que desean abrazar la música como profesión, con talleres de perfeccionamiento y clases magistrales. Pablo Trindade abrió el fuego el pasado 5 de marzo con un taller para directores y arregladores de coros, próximamente se anunciarán los talleres, charlas y cursos de Osvaldo Fattoruso, Jorge Trasante, Edu Lombardo y muchos otros músicos de prestigio a nivel nacional e internacional.

Esta propuesta también apuesta a todos aquellos que siempre quisieron estudiar música y quizás no se animaron a preguntar, o se aburrieron con clases rígidas, aquellos que tocan de oído y quieren conocer lo que están haciendo, y también los que todo el mundo manda callar en los asados, fueron "voz b" en la escuela, o repiten "no puedo ni tocar el timbre".

Para los jóvenes que buscan expresarse con un instrumento, con el canto, tocar en un grupo, para los más grandes que quieren sacarse las ganas de tocar aquellas músicas que les cambian el alma.

Tunguelé. La Escuela de Música para niños

La importancia de la práctica musical desde lo expresivo, lo lúdico, lo creativo, como parte de la formación de cada niña, de cada niño. El Tunguelé es una de las tantas bellas canciones de Eduardo Mateo, y da nombre a un proyecto de Escuela Musical para niños de 3 años en adelante.

Con una etapa preescolar de exploración, con trabajo desde lo sensible, la expresión corporal y el juego con la música, hasta una formación en la que el niño termine la escuela sabiendo tocar al menos un instrumento, con un buen manejo de la lectoescritura, el ritmo, el canto y la expresión. Desde los 6 años asistiendo dos veces por semana, hora y media cada vez, y con tres materias cada día (cada clase de 30 minutos), niñas y niños son seguidos en su proceso en forma personal, dentro de grupos reducidos, prestando especial atención no sólo a su buena formación musical, sino a su crecimiento integral, descubriendo la música y descubriéndose a sí mismos, en un entorno muy cuidadoso y respetuoso de individualidades y grupos.

Músicos docentes de probada formación estarán trabajando con toda la alegría que cada estudiante merece, que todos merecemos. La Escuela de la Fundación Eduardo Mateo tiene también una rama de extensión. En convenio con la Comisión de Juventud de la IMM se realizaron el la segunda mitad del 2006 talleres para adolescentes en varios Centros juveniles. Seguramente en este año esa experiencia se repita, sumándose otros convenios con otras organizaciones o instituciones públicas y privadas.

La Escuela de la Fundación Eduardo Mateo abrió sus puertas en el pasado mes de marzo, con la Coordinación General de Jorge Schellemberg y con un plantel de músicos docentes de primer nivel, con las ganas y la emoción del primer día, todos los días.

Docentes que acompañan: Pablo Trindade, Osvaldo Fattoruso, Jorge Trasante , Edu Lombardo, Francisco Rey, Alice Méndez, Carmen Pi , Sara Sabah, Rodolfo Vidal, Federico Righi, Gerardo Alonso, Popo Romano, Gustavo Etchenique, Odair Tabárez y Jorge Schellemberg entre otros.

Fundación Eduardo Mateo, 8 DE OCTUBRE 2543 esquina Presidente Berro. Tel.: 487 15 18
Por más información: fundacioneduardomateo@gmail.com