Saturday 22 December 2007

Django Reinhardt





"The Genius of Django Reinhardt (DVDRip)"
AVI
720X480
128kbps
459mb
45:14

Wednesday 19 December 2007

Steps Ahead






(DVD)

"Steps Ahead - Jazz Vitoria,2005"
Bill Evans - tenor sax
Mike Mainieri - vibrafone
Mike Stern - guitare
Richard Bona - bass, voice
Steve Smith - drums

File size : 699 MiB
Codec : DivX 4
Width : 720 pixels
Height : 576 pixels
Audio
Bit rate : 128 Kbps
Bit rate mode : CBR

Sunday 16 December 2007

Iván Lins




"Iván Lins - Cantando Historias(DVD)"


"Al tener que recorrer mis canciones, encontré que éstas muestran muy bien mis sentimientos como ser humano, como ciudadano del mundo y como brasileño".

CIUDADANO DEL MUNDO

El autor, pianista y cantante es un inspirado equilibrista entre el jazz y la bossa nova, géneros que tomó como punto de partida para un repertorio que lo hizo popular en Brasil y referente internacional interpretado, entre otros, por Sarah Vaughan, Ella Fitzgerald, Carmen McRea, Manhattan Transfer, George Benson, Barbara Strainsand, Sting y Jane Monheit.

Esa amplitud de miras que volcó sobre el pentagrama lo ubica como un autoproclamado "ciudadano del mundo" que, describió, "uso la música para testificar y para reclamar pero sin olvidar nunca la poesía, la belleza y la esperanza".

Sin descuidar, empero, una pertenencia geográfica e ideológica, señaló que "los brasileños no hemos cumplido nuestro papel en la integración de América latina, no sé si por lo económico o por la dificultad del idioma, pero soy un apologista de la unión latinoamericana y pienso que no precisamos de Estados Unidos para nada".

Desde la misma percepción, apuntó que "los latinoamericanos tenemos comida, agua, y todo lo necesario para estar más juntos y ser los pilares en la construcción de un mundo nuevo".

Para el hacedor de temas como "Abre alas", "Dinorah, Dinorah", "Aos Nossos Filhos", "Madalena", "O amor É o Meu País" y "Desesperar Jamais" (todos clásicos que reunió en el álbum y dvd que presentará el viernes próximo en Buenos Aires), esa apuesta regional podría oponerse "a un mundo profundamente violento que amenaza al hombre y a la naturaleza".

"La naturaleza está demostrando que no está muy satisfecha con cómo la trata el hombre y las previsiones para el futuro -evaluó- son las peores posibles porque, lamentablemente, los políticos sólo están interesados en ganar dinero".

Lejos de conformarse con la paleta político-electoral que pueda oponerse a tan crítico panorama, Lins confesó que en relación al gobierno brasileño comandado por Lula da Silva "estoy con mucha tristeza porque veo a la izquierda comportándose como la derecha".

"Siento una gran pena porque en la izquierda brasileña tenemos personalidades fascinantes pero que están mezcladas con una minoría de derecha que construyó una forma de corrupción que lo estropea todo", observó.

Inquieto ante esa perspectiva, reflexionó que "las izquierdas hacen experiencias dramáticas por falta de experiencia", pero enseguida no se dejó vencer por el pesimismo y dijo: "Las nuevas generaciones van a aprender cómo se construye una nación y un mundo mejor".

01. Abre Alas - DVD
02. Somos Todos Iguais Esta Noite / Dinorah, DinorahIvan
03. Guarde Nos Olhos - Com Jorge Vercilo - DVD
04. Desesperar, Jamais - DVD
05. Aos Nossos Filhos / Cartomante - DVD
06. Bilhete - Com Zizi Possi - DVD
07. Novo Tempo - DVD
08. Comecar de Novo - DVD
09. Porta Entreaberta - DVD
10. O Tempo Me Guardou Voc? - DVD
11. Ai Ai Ai Ai Ai - DVD
12. Vieste / Iluminados - DVD
13. Soberana Rosa - DVD
14. Lua Soberana - DVD
15. Lembra de Mim - DVD
16. Vitoriosa - DVD
17. O Amor E Meu Pais / Meu Pais - DVD
18. Madalena - Com Simone - DVD

Saturday 15 December 2007

Fernando Cabrera





"Una de Cabrera,2007"

"Una de Cabrera"

Un acontecimiento poco común, homenaje en vida a uno de los más talentosos músicos que ha dado nuestro país.
Quince artistas versionando canciones de Fernando Cabrera conforman el disco UNA DE CABRERA,producido por Jorge Alastra y editado por Saddhu Records.
El sábado 3 de noviembre, cumpleaños de la sala Zitarrosa, festejamos con un homenaje a Cabrera llevando a escena a prestigiosos artistas interpretando a este talentoso músico de nuestro medio.

UNA DE CABRERA no sólo será la edición de un disco, sino también un espectáculo en donde
los intérpretes que participan del mismo llegan a la sala Zitarrosa, concretando así el homenaje en vivo a un artista que ha demostrado con su talento que se merece un tributo como este,
en el que participan artistas de la talla de Liliana Herrero, Jorge Galemire, Popo Romano,
Esteban Klisich, Dino, Ulivi, entre otros.


Codec: MPEG-1 Audio layer 3
Bit rate : 192 Kbps
Bit rate mode : CBR

Channel(s): 2 channels
Sampling rate: 44.1 KHz

Resolution: 16 bits
Writing library: LAME3.96r
Encoding settings: CBR

Tuesday 11 December 2007

Chick Corea





dvd

"Chick Corea - The Ultimate Adventure, Live In Barcelona"
*****

Grabado en directo en el Palau de la Música de Barcelona el 3 de Noviembre de 2005

1. North Africa
2. Moseb the Executioner
3. Queen Tedmur
4. Three Ghouls
5. King & Queen
6. City of Brass
7. Planes of Existence Kalimba
8. Spain.

Chick Corea - piano, Motif 8 ES, percussion
Jorge Pardo - flute, soprano sax, alto flute
Carles Benavent - bass
Ruben Dantas - percussion, kalimba
Tom Brechtlein - drums
Hossam Ramzy - egyptian tabla
Auxi Fernandez - flamenco Dancer
Tomasito Moreno Romero - flamenco Dancer.


Video size: 608x352
Audio: 48000hz, 16bps, 2ch
Length: 1:55:04
Bitrate: 2034kbps
Video: 608x352 (1.73:1), 29.970 fps, XviD build 47 ~1834 kbps avg, 0.29 bit/pixel
Audio: 48 kHz, AC3 Dolby Digital, 2/0 (L,R) ch, ~192.00 kbps avg

Sunday 9 December 2007

Jazz y algo más (Al Di Meola)

"Al Di Meola - Diabolic Inventions and Seduction for Solo Guitar[Vol.1 - Music of Astor Piazzolla]"




Para algunos, Al Di Meola es más conocido por su trabajo de guitarra en Return to Forever, y también por sus primeros álbumes como solista. Pero di Meola siempre ha tenido mucho interés en tocar acústico al que le dio un estilo flamenco ("Mediterranean Sundance")-Cuál es el estilo de seis cuerdas que él completamente los utiliza en su 2007 liberación, Seduction e Inventions Diabólico para Solo Guitar, Vol. 1: La Música De Astor Piazzolla.Como su título dice, el álbum está implícito solamente de rendiciones de melodías por el compositor argentino de tango Astor Piazzolla, quien es más conocido para trailblazing del nuevo estilo de Tango(que contiene ambos estilos jazz y clásico).Di Meola no tiene problema de ofrecer un fino tributo a Astor Piazzolla, especialmente en " Campero " y " Romántico." Con el Diabólico Inventions y Seduction para Solo de Guitarra, uno de los guitarristas mas dotados técnicamente del mundo de la "world's most technically gifted guitarists".

01 - Campero (4:50)
02 - Poemo Valseado (4:27)
03 - Tangata del Alba (5:18)
04 - Adios Nonino (4:52)
05 - Tema de Maria (6:00)
06 - Milonga del Angel (4:58)
07 - Romantico (4:35)
08 - Milonga Carrieguera (3:08)


Artist: Al Di Meola
Album: Diabolic Inventions and Seduction for Solo Guitar (Vol.1 - Music of Astor Piazzolla)
Year: 2007, Release: Jan 8
Label: Di Meola
Genre: Jazz/Fusion/Tango Nuevo
Format: FLAC (Tracks)
Time: 38:04
Size: 208.8 Mb (Rapidshare.com)

Al Di Meola - Guitar, Handclapping, Djembe, Cahones
Hernan Romero - Handclapping, Djembe, Cahones

Saturday 8 December 2007

Jazz y algo más


"Poncho Sanchez"

La capacidad que tiene Poncho Sánchez de conglomerar un bufete de ritmos en una misma escena musical, es única. Su último disco Raise Your Hand representa esa maestría en la versatilidad; en este disco podremos encontrar la fusión del Jazz, el blues, el indispensable funk, el afro 6/8, la rumba, la salsa e incluso un poco de son, todo sin que cada uno de estos ingredientes pierda su esencia. Raise Your Hand personifica el clímax en la carrera musical del maestro Poncho Sánchez, ya que comparado con sus discos anteriores resalta la madurez en los ensambles inclinados al jazz y la sobriedad de las melodías que no dejan de tener el ingrediente indispensable, el famoso sabrosón!

Otro elemento sustancial en el disco es el acompañamiento de los músicos invitados como el saxofonista de James Brown, Maceo Parker, con quien toca en la pista titulada Shot Gun y en Maceo´s House. La sencillez de esta producción y la ya conocida forma de arreglos de los hermanos Torres logran mantener la calidad y calidez que caracteriza a este Masterconguero.

Poncho Sánchez mantiene su estilo, no pierde el sentimiento en sus solos a tres congas y tampoco actúa como antagonista a lado de sus excelentes músicos quienes se desplayan con toda prudencia. Sin más me queda decir que la sensación experimentada con el disco es física, penetra en lo más hondo del cuerpo y del alma. Raise your Hand no es de los mejores discos de Poncho pero ya que mantiene su divertido swing funkero y su agradable sencillez es un declarado mestizaje en el terreno musical (su mismo nombre lo indica), un buena opción veraniega de un poco de candela para el cuerpo en estos días.



"Raise Your Hand, Poncho Sanchez 2007"

01. Raise Your Hand
02. Tropi Blue
03. Shotgun
04. El Agua De Belen
05. Rosarito
06. Maceo's House
07. ¿Dónde Va Chichi?
08. Gestation
10. Knock On Wood

Poncho Sanchez album "Raise Your Hand"





Poncho Sanchez congas, bells, guiro, lead vocals on "Raise Your Hand," "Shotgun," "Amor con Amor," and "Knock On Wood"
David Torres piano, Hammond B-3 Organ
Javier Vergaratenor & alto saxophones, flute
Ron Blake trumpet, flugelhorn
Francisco A. Torres trombone, background vocals
Tony Banda bass, background vocals
George Ortiz timbales
Joey De León bongos, congas, guiro, bata, chekere, background vocals


With Special Guests:
Eddie Floyd vocals on "Raise Your Hand" and "Knock On Wood"
Booker T. Jones Hammond B-3 Organ on "Raise Your Hand" and "Knock On Wood"
Steve Cropper guitar on "Raise Your Hand" and "Knock On Wood"
Maceo Parker alto sax on "Shotgun" and "Maceo's House"
Scott Martin baritone sax
Andy Montañez lead vocal on "El Agua de Belen"
José "Perico" Hernandez lead vocal on ¿Dónde Va Chichip?
John Burk rhythm guitar on "Maceo's House"
Joey Heredia lead vocal on "Raise Your Hand," "Shotgun," and "Knock On Wood"

(Poncho Sanchez Site)

Aquellos Viejos Discos



En este nuevo ciclo de "Aquellos Viejos Discos" trataremos de recordar los viejos vinilos que escuchábamos en los 60-70. Las influencias musicales para muchos de nuestra generación, aquellos Lp's que llegaban con cuentagotas al Uruguay y que nos juntábamos en la casa de algún amigo que tuviera un "Tocadiscos"para poder escucharlo y analizarlo horas hasta gastarlo..!!

"The Shakers - All the Best"
Aquí está una recopilación del Brasil en 1992 que incluye unos cuantos Tracks de los Shakers no incluidos en 2000 está Por Favor. En particular, las versiones en estéreo de "Break It All" y "For You and Me" (originales y un trío de covers:"For You, For Me" Lesley Gore "It's My Party", "Keep Searching," y "Michelle" de los Beatles"

What a Love
For You and me
Break It All
Don't Ask Me Love
I'm Thinking (Carlos Vila)
It's My Party (W. Gold, H. Wiener, J. Gluck Jr.)
Forgive Me
Keep Searching (Del Shannon)
Baby Do the Shake
Baby, Yes, Yes
The Longest Night
Run Everybody
Let Me Go
Do Not Disturb
Won't You Please
Michelle (Lennon, McCartney)
Too Late (Roerto Capobiano, Osvaldo Fattoruso)
Smile Again
Never, Never
Got Any Money
Higher Than a Tower
B.B.B. Band

Friday 7 December 2007

Jazz y algo más

"Steve Howe"


Image Hosted by ImageShack.us



Normalmente el guitarrista principal de YES.

Iniciando su carrera solista a mediados de los 70, Steve HOWE ha impreso en su música estilos muy variados. Con sus participaciones en grupos como SYNDICAST, TOMORROW o BODAST, y su clara influencia clásica en compositores como Antonio VIVALDI, ha logrado combinar perfectamente el rock sinfónico con estilos un poco más ligeros.

Su excepcional forma de interpretar en la guitarra lo convierte en un héroe más de este difícil instrumento, y le imprime también un sello propio a grupos como , EXPLORERS CLUB, ABWH, ASIA y GTR, siendo estos últimos más orientados al progresivo para radio.

"Natural Timbre,2001"

01. Distant Seas (6:14)
02. Provence (4:00)
03. Intersection Blues (2:28)
04. Family Tree (4:29)
05. J's Theme (3:52)
06. In the Course of the Day (3:32)
07. Dream River (3:58)
08. Golden Years (4:35)
09. The Little Galliard (1:22)
10. Up Above Somewhere (3:56)
11. Curls and Swirls (2:33)
12. Pyramidology (3:06)
13. Lost for Words (3:34)
14. Winter (Vivladi) (2:16)
15. Solar Winds (3:53)
16. Your Move (3:27)
17. Disillusion (1:41)


Excelente CD para los que gustan de la vieja viola *****

Thursday 6 December 2007

Aquellos Viejos Discos


En este nuevo ciclo de "Aquellos Viejos Discos" trataremos de recordar los viejos vinilos que escuchábamos en los 60-70. Las influencias musicales para muchos de nuestra generación, aquellos Lp's que llegaban con cuentagotas al Uruguay y que nos juntábamos en la casa de algún amigo que tuviera un "Tocadiscos"para poder escucharlo y analizarlo horas hasta gastarlo..!!
"Candeias 1975"

01 El Tren de Tom
02 Paolinho
03 Zimbao
04 Managua
05 Sambaiana
06 Casa De Invierno
07 Palmieras.




Guillermo Reuter: piano, fender, synths
Ruben Izarrualde: flute
Agustin Pereyra Lucena: guitar
Darci Soave: double-bass
Carlos Carli: drums and percussion

Candeias

Sunday 2 December 2007

Ruben Aldave




"Adiós para una Guitarra de Treinta y Tres"

FALLECIO EL MUSICO RUBEN ALDAVE

El reconocido y querido guitarrista Ruben Aldave dejó de existir el pasado fin de semana en su solar natal, tras permanecer internado varios días a raíz de una delicada enfermedad.
Aldave, cultor de la interpretación instrumental de la guitarra, pero también permanente compañero de Los Olimareños y más recientemente de Braulio López, había presentado recientemente su segundo trabajo discográfico en solitario al que llamó Resonancias.
Aldave fue un guitarrista que en general se dedicó al repertorio folclórico y popular, recordándose su larga colaboración con los músicos del dúo Los Olimareños. Sin embargo, el desarrollo interpretativo y el aporte musicológico que desarrolló este guitarrista en el rescate de los ritmos populares es de significativa cantidad y calidad para nuestra historia musical.

Saturday 1 December 2007

EQ


EQ es un grupo residente en Melbourne de fusión de Jazz/Funk/Rock.
Los tres integrantes son graduados del Colegio victoriano de las Artes y son miembros activos en la escena de música en Melbourne.
La banda se formó originalmente para sus recitales colectivos de la universidad en 2001.
Desde que están juntos en la universidad siguen componiendo, grabando y disfrutando.
"EQ 2007"

01.Tyreless
02
.Beach Tang
03.Ika
04.Who D in E
05.D
rop D Jazz
06.Another Pint for the Merry Gentleman
07.Dracula's Waltz
08.Poleo
09.Sleazy Dream
10.Mulatto.




Muy Recomendado a los Jazzeros.
*****

Kit Riley - bass
Chris Broomhead - drums
Chris Bieniek - guitar
and guest Danny Healy - sax.


EQ Site

Friday 30 November 2007

Sankuokai






"Sankuokai"
Sankuokai, banda musical uruguaya, creada en el año 2002, integrada por reconocidos músicos de la escena nacional. Todos ellos cuentan con una basta experiencia siendo referentes para sus pares, tanto a nivel nacional como internacional.
Con temas propios, su música es una fusión de sonidos montevideanos con funk, jazz, y candombe, que denota la calidad y trayectoria de cada uno de ellos.
Pasaron casi cinco años desde aquellos primeros esbozos de la nueva propuesta "malvinera", y con ella me refiero al sonido particular y preciso de los hermanos Ibarburu y sus amigotes-colegas. Pasaron casi cinco años de aquel primer estreno de la banda Sankuokai, que en aquel entonces carecía de la diéresis en la ï, de Nicolás Sarser y de una propuesta tan definida y depurada como la vista el 13 de mayo pasado en el "reestreno" de la banda tras el lanzamiento de su primer disco.
Otra vez el lugar elegido fue la Sala Zitarrosa (que, a propósito, cada vez suena peor).
El sexteto de músicos que forma la banda no es otra cosa que un verdadero Dream Team. Ahora, lo interesante y original de la propuesta es que Sankuokai se lanzó en un proyecto diferente a otras formaciones que nos venían ofreciendo las bandas de ellos (Pepe González o La celeste, por ejemplo). Sankuokai no es otra cosa que una banda de canciones. A ellos le cuesta definir el estilo de la banda. Yo digo que es claramente "ibarburezco" y punto. Ese sonido personal que viene construyendo como sesionistas y en sus propias bandas desde hace más de una década es ni más ni menos que el que envuelve a cada una de las canciones del nuevo disco. Desde 1998 que los ibarburu no grababan para un proyecto personal y, casualmente, allí (en el disco Febrero de Pepe González) ya empezaban a trazar la transición del prolijísimo y excepcional smooth-jazz del disco Faros de Pepe González, a un formato más de canción, donde combinaban sonidos bien autóctonos como la murga, el candombe, la chacarera y la milonga con el funk, el rock y, por supuesto, el jazz.
Con Sankuokaï terminaron de redondear esa transición y se lanzaron definitivamente al terreno de las canciones (al punto de que no hay ningún tema instrumental).
Del toque propiamente dicho cabe decir que no decepcionaron para nada. Hicieron unos 20 temas más un par de comodines entre los que se encontraron Voces, de Nicolás Ibarburu (grabado en Febrero, de Pepe González) y una versión absolutamente brillante de Montevideo, el tema de Rada, donde explotaron al máximo el virtuosismo de cada uno de los integrantes de la banda. Hubo algunos invitados: Para la exquisita "Miércoles de ceniza" estuvieron los mareados; en "Hija del viento" un candombe en 3x4 de Gustavo Montemurro, vino especialmente de Argentina Anita Álvarez de Toledo que se presentó con todo su glamour y su estupenda voz. FInalmente, para "tu noche de ayer" apareció Susana Ibarburu, la tía de los tres hermanos que se animó a cantar una especie de bolero-tarantinezco de Nicolás Ibarburu. Los invitados se limitaron a hacer básicamente lo que en el disco.
El toque, entre candombes, murgas, chacareras y temas pop dejó en clara evidencia la excelente capacidad de estos músicos a la hora de arreglar temas. Mucha solvencia y precisión;un sonido muy depurado y original.Dejan claro que,contrariamente a lo que muchos piensan, ellos no son solo virtuosos de la música,sino que son,tambien,excelentes generadores de climas y muy precisos a la hora de ejecutar sus canciones.


"13 de mayo 2006,Sala Zitarrosa,Montevideo,Uruguay"



Integrantes:
Martín Ibarburu - Batería, percusión
Nicolás Ibarburu - Guitarras, tres, coros, voz en track 4 y 13.
Andrés Ibarburu - Bajo, Cello
Walter Nego Haedo - Percusión, voz en track 5
Gustavo Montemurro - Teclados, Rhodes, acordeón, coros, voz en track 6 y 7
Nicolás Sarser - Voz, guitarra electroacústica, coros

Músicos Invitados:
Urbano Moraes, Anita Alvarez de Toledo, Mariana Lucia, Emiliano Muñoz, Ney Peraza, Alvaro Fontes, Freddy Bessio, Pedro y Esteban Takorian, Pablo Somm, Benji, Noelia Campo, Susana Ibarburu, Maitena Ibarburu, Martín Gil, Ana Oliver.

Yair Flores & Ney Peraza







"YAIR & NEY,2002"


01-Hoy te veo como ninguna
02-Lonja templada
03-Te miro al pasar
04-Lloras
05-La Lisa
06-Luna Lunita
07-Hoy en la playa
08-Busco tu amor
09-Chico,Repique y Piano
10-Rosa de Mar
11-Sueños dormidos
12-Días pasan


(Yair Flores & Ney Peraza Site)

Monday 12 November 2007

Fernando Cabrera





"La Garra del Corazón (El posible Cabrera) 2007"
Otra vez nuestro querido amigo Diego Rey nos alcanza una nueva propuesta,siempre con esa gran calidad de "Genius" en producciones como esta que tenemos en nuestras manos y nuestros tímpanos.
Una excelente selección de temas de Fernando Cabrera por otros como-Travesía,Eduardo Rivero,Gustavo Nocetti y muchos otros mas.
Un CD para después de la medianoche solamente para cuando los ecos y los acordes entran a volar con alguna copa de Cabernet Sauvignon.


01. Por ejemplo - Pablo Echaniz (F.Cabrera)
02. Arma de doble filo - Mauss vs Cabrera (Dino)
03. Todo el día - Gabi La Malfa (F.Cabrera)
04. Vals de Pocitos - Eduardo Rivero y F.Cabrera (E.Rivero)
05. Tobogán - Gonzalo Alliegro (F.Cabrera)
06. Buenos Aires Anti Social Club - Kevin Johansen y F.Cabrera (K.Johansen)
07. Mudar - Gustavo Nocetti (F.Cabrera)
08. Hermana muy hermosa - W.Carrasco y C.Fernández (F.Cabrera)

09. Palacio - Fernando Montalbano (F.Cabrera)

10. Pandemonios - Eduardo Darnauchans (F.Cabrera)

11. Qué importa un hombre - Flavia Ripa (F.Cabrera)
12. Te abracé en la noche - Mauss vs Liliana Herrero (E.Rivero)
13. El loco - Pablo Pinocho Routín (F.Cabrera)

14. Para - Travesía (F.Cabrera)
15. Regularte - Fernando Cabrera (F.Cabrera)
16. Río Sarandí - Fernando Cabrera (F.Cabrera)
b o n u s - t r a c k s :
17. Otra cosa es con guitarra - Fernando Cabrera (Anselmo Grau)
18. Visitas - Fernando Cabrera (R.Olivera)
19. Si te vas - Zamba por vos - Fernando Cabrera (A.Zitarrosa)


"Extraído de la nota en el CD"

Fernando Cabrera afirma que él no es un poeta. Es cierto, no es un poeta. No se ha dedicado al trabajo del lenguaje en forma exclusiva, sino a esa variante que arriesga otros misterios y que es la del cantautor, la del compositor de canciones con sus leyes, extrañas para los que no conocen las reglas de la composición musical y su ayuntamiento con las palabras.
Pero más allá del acto total de la comunicación que implica una canción, se pueden escuchar textos de oyendo otras cosas. Historias, por ejemplo, breves y concentradas historias sobre una pelea, una calle, una mudanza, un domingo, un velorio, un tiroteo, un loco, unos pordioseros, una carrera de autos, una mujer desatendida.
"La garra del corazón" son versiones de aquí y de allá, rarezas y participaciones del gran Fernando junto a otras voces.
(otra producción de Diego Rey)

Sunday 4 November 2007

Mateo X 6





Creador del candombe-beat, pasando por la bossa nova hasta llegar a los Beatles. Percusionista y reconocido guitarrista. Ideólogo de una estética musical única e inimitable basada en la fusión de distintos géneros, rozando los límites entre la complejidad y la sencillez para desembocar en la síntesis de un arte dominado por un único objetivo: la búsqueda.
El “Príncipe” siempre vuelve, esta vez de la mano del proyecto MATEO X 6, una barra de amigos que, desde hace trece años, se reúnen con la simple pretensión de que el mágico bohemio aventurero siga soñando.

¿Cómo comienza a tomar forma este proyecto?

Ney Peraza- Arrancó cuando empecé a hacer el cancionero de Mateo. Había una cantidad de canciones que el tipo no había hecho nunca en vivo, que las había grabado y nunca más las había tocado, y de meterme en el mundo del tipo me dieron ganas de que esas canciones siguieran sonando. Incluso en esa época, Guilherme de Alencar Pinto estaba escribiendo un libro sobre la vida de Mateo y recopiló material inédito, muchas canciones que ni siquiera las había hecho en vivo, ni las había grabado y que eran hermosas, y digo: “estas canciones tienen que conocerse, tienen que vivir”. Me dieron ganas de armar un repertorio basado más que nada en la veta acústica de Mateo, que a mí me gusta, me gusta muchísimo; y bueno, empecé a pensar en la gente que más o menos podía andar y a los cinco que les dije me dijeron que sí, de una, y somos los mismos seis que estamos desde hace trece años.

La idea, cuando arrancamos, era hacer un espectáculo en un teatro y hacer un ciclo de cuatro funciones, y ese era todo el objetivo. Y se fue estirando, estirando, fuimos pasando de una sala a otra, de un boliche a otro y pasaron los años y todavía sigue yendo gente a vernos; además gente nueva.

El disco salió hace unos años por un sello que se llama Perro Andaluz, pero no es un sello que tenga gran difusión y mucha distribución, entonces sacó una tanda chica de discos que se agotaron bastante rápido, y quedó por esa, quedó parado. Y Montevideo Music Group estuvo interesado en reeditarlo y nos pareció bien, y se está vendiendo muy bien, estamos re contentos.

¿Cómo se conforma ese grupo de artistas?

La parte de percusión… originalmente no había batería, era solo percusión; Pitufo Lombardo y Juan Carlos Ferreira estaban laburando mucho juntos, tenían mucho feeling entre ellos, estaban muy colgados los dos. Yo los veía en el TUMP (Taller Uruguayo de Música Popular) ensayar y me encantó el cuelgue que tenían los dos y la química que se armaba, entonces ya esa parte estaba solucionada por ese lado. Por otro lado, también quería que el cuadro que se armara cualquiera pudiera agarrar una guitarra en algún momento y encarar un tema solo, y bueno, tanto Edú como Juan Carlos son tipos que cantan y componen y tocan la viola muy bien, además de ser muy buenos percusionistas.

Después, Mandrake Wolf y Jorge Schellemberg, que son dos tipos conocidos por su trayectoria, que me gustan como intérpretes cualquiera de los dos y los dos con mucha afinidad con Mateo. Los dos son tipos que lo seguían a los shows y toda esa historia, como yo y todos los de la vuelta. Me parecía que ellos dos podían hacer una muy buena complementación; son dos palos muy diferentes, pero que para mí equilibraban mucho el show, como me lo imaginaba. Además, a medida que vas escuchando temas y decís: “este tema quiero que vaya”, te ponés a pensar interpretado por quién. Y entre ellos dos había mucha cosa que me sonaba bien.

Y el Popo (Romano) es porque es un bajista zarpado, me gusta mucho la onda de él, y aparte se toca todo; y bueno, fue el último bajista que tocó con Mateo, entonces me parecía que era como el tipo ideal. Armé un dream team en la cabeza que funcionó.

¿Qué es lo que se intenta rescatar de ese particular universo que significa el arte de Mateo, tan idolatrado por unos y a su vez tan resistido por otros?

Originalmente, cuando planteamos el show, más de la mitad del repertorio eran temas inéditos, o sea, eran temas que Mateo los había tocado muy poco en vivo o nunca. Canciones como “Nene”, “Doña Martinica”, “Siesta de Mar de Fondo”, una cantidad de canciones que en ese momento no las conocía nadie. Entonces, uno de los objetivos del show venía por ahí, uno de los fuertes era: “vamos a hacer temas que nadie conoce”. No fue: “vamos a hacer los temas que todo el mundo va a pedir”. Nunca hicimos “El Príncipe Azul”, ni “Esa Tristeza”, no porque no sean temas lindos, sino simplemente porque el objetivo venía por el lado de mostrar temas que tenían otra riqueza diferente.

Originalmente, éramos bastante fieles a las versiones originales en la mayoría de los temas. Se podía decir que hacíamos covers de Mateo. Y en muchos temas pasaba eso, por un lado, porque nos parecía que la versión original era inmejorable, entonces la respetábamos muchísimo. Y por otro lado, por un tema de respeto a Mateo, que es una forma de respetarlo que con el tiempo nos dimos cuenta que no era tal. Por un lado, porque si uno quiere ser fiel a la música de Mateo, tiene que haber un lugar para la improvisación o para lo que pinte en el momento. Yo iba a ver a Mateo hacer el mismo show, al mismo lugar, semana tras semana y el show era siempre diferente. El tipo era muy raro que una canción la hiciera dos veces igual. Todo el tiempo las estaba cambiando: la estructura, el ritmo, la letra. Todo el tiempo estaba haciendo cosas nuevas… se aburría muy rápido. Su objetivo era la búsqueda, estaba siempre buscando y cuando encontraba ya no le interesaba más y agarraba para otro lado. Entonces, para ser fiel a ese espíritu esencial en la música de Mateo, nos empezamos a dar más libertad.

¿Se puede decir que el objetivo es acercar su obra a las nuevas generaciones?

En realidad, no era nuestro propósito. Si pensábamos hacer cuatro shows, nuestro objetivo no era abarcar muchas generaciones. Pero en los hechos se dio, terminó dándose así. La mayor parte de la gente que va a ver a MATEO X 6, nunca vio a Mateo en vida. Entonces terminamos con ese rol sin habérnoslo propuesto y con esa mochila, porque también es un peso. Es una responsabilidad saber que uno está interpretando cosas de alguien que nunca vio al autor de los temas, que lamentablemente se lo perdió, porque no hay shows completos de Mateo bien grabados y mucho menos filmados. Entonces, la gente se ha perdido mucho de lo que era el tipo arriba de un escenario. En los discos se trasmite una parte de su riqueza, pero el tipo arriba del escenario era “otro planeta”. Nunca vi a nadie parecerse, ni por asomo, a lo que era el tipo arriba del escenario.

¿Se le debía este homenaje?

En realidad, nunca fue planteado así. Los que integramos MATEO X 6 desde el principio, de una planteamos eso y lo decíamos en público, que no pretende ser un homenaje a Mateo, sino simplemente disfrutar de sus canciones nosotros y compartirlo. Nunca fue presentado como un homenaje, pero mucha gente lo entiende así. Y bueno, cada uno que interprete la película como le parezca.

¿Cuál es el aporte más trascendental que Mateo ha dejado a la música uruguaya?

Por un lado, un tipo muy valiente, un tipo que nunca siguió ninguna corriente de nada, siempre buscó su camino. Trató de ser fiel a sus inquietudes y eso también, durante mucho tiempo, lo llevó a estar bastante marginado y poco comprendido. Se habla mucho de que Mateo estaba adelantado a su época. Yo no sé, porque eso implica ver el tiempo en una dirección. Yo creo que el tipo estaba para otra dimensión. No sé si es posterior, agarró para otro lado. Todos íbamos en una flecha, en una dirección y el tipo agarró para la derecha o para la izquierda o para arriba o para abajo, no sé, pero va para otro lado. A mí, lo que más me gusta de Mateo es que, todavía hoy, lo escuchó al tipo y, para empezar, le creo cada nota que canta y toca y crea. No veo atrás de eso el tener una idea y después vestirla para que suene linda y sea aceptada. Rescato muchísimo la búsqueda. El no conformarse. Porque el tipo inventó muchas cosas que después salimos muchos usándolas en creaciones o en interpretaciones, y el tipo, con muchas cosas que creo, podría haberse quedado en ese plano y seguir toda la vida y vivir cómodo y tranquilo. Pero esa valentía de decir: “esto ya sé como es, voy a agarrar para acá que no tengo la menor idea”, eso, me parece recontra valioso. Y cuando lo escucho al tipo, me meto en su viaje, en su montaña rusa, de no saber para dónde va la cosa muchas veces y sentirte al borde del abismo y salir planeando.


Breves

Reencuentro, esencia... magia

Edú “Pitufo” Lombardo- Rescatar un poco la magia que tenía Mateo en su composición, en su musicalidad, en su visión de contenido, en sus letras, en su manera de tocar.

Popo Romano- La música de Mateo ya de por sí es mágica, cada actuación es descubrirle cosas nuevas. Es una música que está viva, que está fresca y es como que el tipo al DIA de hoy sigue componiendo.

Alberto “Mandrake” Wolf- El hecho de cantar esas canciones significa un poco como tocar himnos de mi corazón.

Jorge Schellemberg- Todos fuimos amigos de Mateo, algunos tocaron con Mateo, todos lo consideramos un maestro, un referente de la música uruguaya y la idea original fue: hay un montón de canciones que si no nos juntamos para tocarlas no las toca nadie.

Juan Carlos Ferreira- Las satisfacciones nunca son las mismas, siempre son diferentes. Para nosotros siempre está bueno tocar, pero doce años implica más que tocar.

“MUSICACIONES”

“Siesta de Mar de Fondo” - Pitufo.
“Nombrar una sola es dejar un montón por el camino” - Popo.
“Kin Tin tan” - Schellemberg.
“Me emocionan todas las canciones de Mateo” - Mandrake.
“Me gustan todas las canciones, no tengo una preferida - J. Carlos Ferreira.

“MATEO X 6”

“Amor a la música” - Ney.
“Un maestro” - Pitufo.
“Divertido” - Popo.
“Adelante 50 años” - Mandrake.
“Síntesis” - J.Carlos Ferreira.
“Un adelantado - Schellemberg.

Natalia Castelgrande


1-Canción para renacer
2-Lo dedo negro
3-Las sirenas

4-Tras de ti
5-Lalá

6-Y hoy te vi
7-Kin tin tan

8-El tungu
le
9-Palo bambé
10-Camiones

11-El boliche
12-Siestas de mar de fondo

13-Jacinta
14-En lo de doña Martinica

15-Un canto para mamá

16-Nene
17-Espiritu burlón

18-Cuerpo y alma.

Friday 2 November 2007

Jorginho Gularte






Jorginho Gularte visitó la exhibición de partidas de nacimiento de su madre

LA REPUBLICA presenció uno de los homenajes más emotivos en el Fin de Semana del Patrimonio que pasó. Jorginho Gularte, el hijo de la entrañable Martha Gularte, visitó el Registro Civil, donde se exhibían las partidas de nacimiento de su madre, Martha, Rosa Luna y Lágrima Ríos.
Al mediodía, Jorginho llegó acompañado por un grupo de personas que lo quieren y apoyan. El hijo de Martha Gularte llegó para visitar la exhibición que se realizó en el Registro Civil en homenaje a las tres divas del candombe.
Con una gran sonrisa, y del brazo del hijo de Lágrima, Eduardo Bernardino, Jorginho fue recibido por los funcionarios del Registro Civil, quienes lo invitaron a quedarse por unos minutos luego de recorrer la exposición. Saludaba amablemente a todo aquel que se le acercara y no dejaba de mostrar su emoción por el homenaje.
"El está muy emocionado", dijo una de sus asistentes. El músico recibió una fuerte agresión en un boliche montevideano el 6 de mayo de 2002. Le provocó graves secuelas. "Hoy se viene mejorando satisfactoriamente", dijo la asistente.

Jorginho Gularte
"Almazen con Bando Sur"
01-Mi Sangre Ta'l Borota
02-Bomba H
03-Darshan
04-Parque Hotel
05-La Isla Del Tigre
06-Damian
07-Ansina Y Cuareim(Voz M-Gularte)
08-almazen.



A.Salas:Percusion
F.Gimenez:Percusion
G."Mamut"Muñoz:Bajo
G.Gravina:Piano,Sint
G..Gularte:Voz y coros
J.Piriz:Saxo
J.Gularte:Voz,Guitarra,Percusion
L."Bolsa"Amuedo:Guitarra
N.Cedrez:Bateria
W."Nego"Haedo:Percusion
A.Fortza:Trompeta
R.Moraes:Guitarra en Damian
U.Moraes:Duo con J.Gularte en"Mi sangre ta'l borota
invitada especial /M.Gularte con su Poesia"Ansina y Cuareim.


(Jorginho: un abrazo y una pronta recuperación)

Thursday 1 November 2007

Vera Sienra


Vera Sienra comenzó a finales de los ‘60 a participar en la pujante música uruguaya. Su voz, y la forma de interpretar sus propias melodías y textos, le abrieron un espacio de comunicación hondo y sugerente. Participa de recitales en diferentes teatros y festivales paralelamente con una permanente presencia televisiva, primero en "Gente Joven" y luego en todo el ciclo de "Discódromo" de Rubén Castillo. "Nuestra Soledad" y "Vera" son sus dos primeros larga duración. Luego vendrían "Reino Breve"; "En Recital", junto a Larbanois- Carrero, y "Hada Alegría", de canciones infantiles. En 1973 logra el Primer Premio en el Festival Hispanoamericano de la canción con su tema “En todas partes”. En 1987 inicia una pausa que la alejaría durante catorce años de la música. Vuelve a fines del 2001 presentando su CD "Reencuentro", y luego un recital con las cantautoras Estela Magnone, Gabriela Posada y Erika Büsch en el Teatro AGADU. A partir de allí inicia un trabajo arduo y permanente junto a distintos artistas. En el 2002 realiza junto a Pepe Guerra y Pablo Estramín "Gardel, posta, posta" completando 62 funciones y un disco de oro. En el 2002 también realiza, junto a Dino, un ciclo entrañable en la Sala Zitarrosa: "Homenaje a mi ciudad", del cual próximamente se editará un disco compacto. En 2003 graba junto a Numa Moraes y otros artistas el disco compacto "Navidad desde el cielo de mi tierra".


"Vera Sienra - Nuestra Soledad 1969"

Wednesday 31 October 2007

Beto Satragni

"Beto Satragni - Candombero Uruguayo"

Autor: Tarantino Luis de musicargentina.com

Junto a nombres como Romeo Gavioli, Pedro Ferreyra, Ruben Rada, Hugo Fattorusso, Eduardo Mateo, Ricardo Nolé, Urbano Moraes, David Ross, el de Beto Satragni se agrega en este conjunto de musicos y compositores uruguayos que no cesan de trabajar en esa musica propia de su pais: el candombe.

Musica de origen negro del Rio de la Plata que va a estar al origen del tango y que desaparece, por asi decir, en la orilla occidental, Buenos Aires, pero que perdura, vive, se renueva en la oriental, la de Montevideo y la del Uruguay.

Luis Tarantino: Qué pasa en los ultimos veinte años en Urugauy con el candombe y la gente?

Beto Satragni: El candombe fue declarado en los años '80 folklore oficial del Uruguay. Pero costo mucho porque aun cuando Uruguay no es un pais racista, en cierto momento hablar del candombe era como hablar del tango aqui, en Buenos Aires. Era algo de arrabal, de reos. Sufrio discriminacion o quizas, falta de reconocimiento.

No obstante el candombe siempre habia estado en la calle y en los bailes no era bien visto. La gente que tenia una crianza intelectual de clase alta lo miraba con resquemor. Ahora esa situacion esta superada. El candombe es muy respetado. Se le dio la verdadera importancia porque se dieron cuenta que era un ritmo muy rico y de una tremenda complejidad. Finalmente el candombe vencio. Porque tambien se dan clases de candombe en la facultad de musica. Esta institucionalizado.
Nunca dejo de estar en el Uruguay desde el siglo XVIII cuando los africanos cumplian estos ritos religiosos. En los carnavales, desde el siglo pasado, siempre hubo candombe en los barrios Sur y Palermo, y tambien en los desfiles de la Avenida 18 de julio. En otros barrios y en algunos pueblos del interior tambien. Algunos morenos dicen que el candombe es orillero de Montevideo pero yo me opongo a esa idea porque soy de Canelones, en el interior, donde me crei desde muy chico escuchando en la plaza una cuerda de tambores. Asi, a los dos años tenia metida la cabeza adentro de un tambor piano dando la vuelta a la plaza porque era algo que me pegaba en el pecho. Tambien en Colonia habia mucho candombe. Actualmente se toca en todo el Uruguay.

En Canelones hay una pequeña llamada de tambores en cada barrio. La llamada es una reunion de muchos tambores que se realizan espontaneamente o para las fechas patrias. o a veces por un partido de futbol. El candombe esta siempre presente. En Montevideo en el barrio de La Union, en el Cordon, en el Buceo. Hay distintos toques de candombe. Cada barrio tiene su toque propio. Tiene su tambor piano que es distinto. En lo del 'Lobo' Nuñez, que se llamo la placenta del tambor porque es uno de los lugares desde donde sale la llamada, que es un fabricante de tambores, siempre hablamos de la cantidad de toques de tambor diferentes que habia en Montevideo.
La memoria popular retuvo lo hoy llamado candombe pero habia seis ritmos mas. Hay uno que se llama zimbawe. El pueblo los perdio pero algunos musicos todavia los tienen. Ese trabajo lo tengo pendiente para rescatar todos los ritmos que habia en Montevideo en el 1900. Toda mi vida me dediqué al candombe. Trabaje once años con Ruben Rada, hice giras con Osvaldo Fattorusso y he grabado y actuado con mi grupo Raices.

LT: Como sale la gente detras de los tambores?

BS: Cuando pasa la llamada la gente va siguiendola despacito porque el candombe se toca caminando por la calle. Es un pasito muy lento al lado de los tambores. El candombe no es tan festivo como el samba brasilero. Es mas emotivo y tiene un caracter guerrero tribal. Algunos van al lado y los que sabes bailar muy bien hacen algunos pasos adelante. Adelante casi siempre va bailando una señora de edad que baila muy bien o un moreno danzarin, a los costados van acompañando por las veredas y atras va el resto.
El candombe ha perdido su religiosidad cuando lo toman los uruguayos y es un baluarte de nuestra cultura uruguaya. Es el ritmo afro por excelencia de Montevideo.

LT: Si tenemos que hablar de algo ancestral, es mas puro el candombe que los ritmos afrocubanos o afrobrasileros?


BS: No. Creo que para los uruguayos el candombe es lo mismo que para los brasileros la samba o para los cubanos el son.

LT: El toque de tambor habia sido reconocido como mas antiguo en Uruguay?

BS: El candombe es raiz. El que se toca hoy es el mismo que se tocaba en el 1800. Lo que puede sufrir es alguna incorporacion. Los hijos del Lobo Nuñez que tienen 18 años estan haciendo algunas 'paradas' distintas. Tambien sufre algunas perdidas. El repique que toca Jimmy Santos trae cosas que vienen del 1900, muy viejas, que se tocan en el costado del tambor. Un toque que se ha ido perdiendo. En general el pattern del candombe es el mismo que toda la vida. La clave del candombe es 3/2. Todos los ritmos afroamericanos tienen una clave. Esta clave la dan los golpes en los que se basa el ritmo. Hay claves que pueden coincidir entre Uruguay, Cuba o Brasil.
En Cuba se toca las claves 3/2 (tres golpes en el primer compas y dos en el segundo) y 2/3 (dos en el primero y tres en el segundo). Esas coincidencias de clave vienen del Africa. En Montevideo, segun cuentan los que sabes, llegaron distintas comunidades africanas. El candombe nacio de las reuniones de esas comunidades como los zulues o bantues. De esa fusion nacio. No es un ritmo africano, sino montevideano, uruguayo. El Lobo Nuñez, que es mi referente, siempre dice: "Nosotros no somos ritmo africano o afro. Somos uruguayos, montevideanos". El Africa quedo en el principio de la cosa.
Hasta los años '30 el candombe se enseñaba de una generacion a otra. Si uno no tenia un padre o un abuelo que se lo puediera enseñar era imposible. Incluso siendo negro no se tenia acceso al candombe sino tenia familia. Era hermetico. A mediados de siglo comenzo a incorporarse otra gente. Alli empezaron a aprender tambien algunos blancos. Ahora, a fin de siglo, el candombe ya es de todos en el Uruguay. Si bien es patrimonio exclusivo de la cultura del pueblo afrouruguayo. Me he propuesto, como uruguayo blanco, que siempre se respete el candombe como patrimonio del pueblo afrouruguayo que es el que lo ha sabido mantener en pie por 250 años. Mi deseo es que el reconocimiento sea para con ese pueblo que mantuvo esa cultura durante tantos años, y que debido a su generosidad musicos como yo que vienen del rock, del jazz o de la musica popular pueden aprender sus secretos.
Si el candombe fuera reconocido en el mundo el premio deberia ser para ellos. Seria injusto que no fuera asi. Ellos han trabajado muchos años contra viento y marea para mantenerlo. El candombe es un ritmo muy excitante para el ejecutante. Te provoca la necesidad de seguir. Una vez que uno calienta los motores, te envuelve y te pide seguir. A mi me pasa que no soy negro. Tiene algo hipnotico. No podes parar, es vicioso. Hay gente que se lastima mucho en algunas llamadas y no pueden parar. Es todo fisico.

LT: Que pasa en Europa con la gente y el candombe?

BS: Se vuelve loca. Le encanta. Nosotros cerramos un festival de jazz en Konisberg, que es una isla que esta enfrente a Lituania y Suecia. Es un lugar de veraneo famoso para los suecos ricos. Estaban Chic Corea, la Mingus Band, Peter Erskine y su trio. Tocamos en una especie de castillo y cerramos el festival enfrente al mar Baltico en una barranca. Primero tocaba una orquesta de 50 musicos y despues cerrabamos nosotros. Hugo y Osvaldo Fattorusso, Ruben Rada, Ricardo Nole y yo, como quinteto. Los cinco tocabamos los tambores. Terminamos nuestro show tocando los tambores y fue increible, en el año '89.

LT: El gobierno uruguayo que hace por esta cultura?

BS: No hace mucho por el candombe. Podria hacer mucho mas. Los gobernantes estan mas preocupados por comprarse un BMW que porque los negros toquen los tambores y mantengan sus tradiciones. Es dificil.

LT: El bajo en el candombe. Los Fattorusso. El mundo.

BS: Cuando yo empece a experimentar con lineas de bajo en el candombe habia solamente uno o dos que lo hacian. A mi el candombe me dio la oportunidad de crear lineas para el bajo que otros musicos tocan actualmente. Esa oportunidad es unica. Poder crear bases para tocar el bajo en el candombe. No fui el primero porque hubo otros que pusieron las primeras lineas, pero tuve la oportunidad de darle otra vuelta y ampliar esos conocimientos con nuevas lineas.
Aqui viene mucha gente, musicos profesionales, interesados por el candombe. Pasaron Walfredo Reyes baterista de Santana y Frank Sinatra; Robby Amin el baterista de Ruben Blades y tambien de la Berklee.
Creo que Osvaldo Fattorusso es el musico que mas ha desarrollado y ha llevado al papel la musica del candombe. Nosotros tocamos los tambores con Dennis Chambers, Alex Acuña y el baterista de Living Colour y todos estaban muy interesados en el candombe. Tambien Billy Cobham. Juan Formell de los Van Van me ha mandado un saludo y felicitaciones por el disco de 'Raices' que escucho en Cuba. Tocamos en Cuba y se volvieron locos con el candombe. Arturo Sandoval, Irakere y Pablo Milanes son muy amigos y estan informados e interesados en el candombe. A ellos les resulta muy dificil porque estan acostrumbrados a tocar al reves. Lo que tocan los cubanos tiene mas similitud con el candombe que los brasileros en cuanto a su expresion sentimental. Ellos utilizan mucho el bata, un tambor con dos parches a los costados de longa de cuero, en cambio en el Brasil se usan mucho metales o parches de plastico. El cubano tiene una fuerza similar aunque creo que el candombe es el ritmo mas potente de Latinoamerica y el que mas mantiene la africania porque se toca con un tambor de madera y una lonja. No quiero hablar mucho de esto porque lo mio es tocarlo. Es un tema muy delicado. Yo disfruto tocandolo y transmitiendolo. El candombe ya no es tan desconocido para los musicos del mundo.
(MySpace:Beto Satragni)

"Beto Satragni y Raices - Ey Bo Road 1987"

II Encuentro de Música Instrumental del Uruguay








El II Encuentro de Música Instrumental - Festival Montevideo,se
llevó a cabo entre él 3 y el 16 de diciembre de 1995 en la carpa
de la Intendencia Municipal de Montevideo ubicada frente al
Pabellón de la Música junto al lago del Parque Rodó.
Para el mismo se inscribieron 60 grupos y solistas, un Jurado de
Preselección integrado poí Esteban Klísieky Daniel Maggiolo
nominó a 35 números artísticos que actuaron en vivo ante un
creciente número de público y el Jurado del Festival integrado por
el Maestro Federico García Vigil,Alberto Magnone y Rubén Olivera.
Es justo y necesario dejar testimonio del apoyo dado a este
emprendimíento por los patrocinadores y auspiciantes:la Cámara
Uruguaya de la Música,la Cámara Uruguaya del Disco,AGADU,
* SUDEI,AUDEM,TUMPT.Yamaha Music School,96.3FM Alfa;810 Radio El
Espectador y El Observador.La intención del Departamento de Cultura de la I.M.M.más qué el otorgamiento dé premios y calificaciones
fue la de abrir espacios,para el disfrute tanto de artistas y público de manifestaciones que ya han alcanzado un muy buen nivel de calidad
en nuestro país,y que estamos convencidos van en camino de generar un
mercado propio autosostenido y creciente.

Departamento de Cultura Intendencia Municipal de Montevideo.


01. Carlos Quintana - Nuevamente En Líos
02. Cuarteto De Saxofones Iii - Fonk Ponch
03. Cuarteto Zitarroza - Milonga Tuya
04. Fernando Goicoechea - 2 O Ser,tema comparsa
05. Joge Camiruaga - Obdulio
06. La Mano - Atenas
07. Lady Jones - Místico
08. Los Carniceros Del Pentagrama - Pop Acaramelado
09. Malena Morgan - Azucena
10. Nicolás Mora - En El 65
11. Paco Mañosa - Guayabo Y Jackson
12. Pepe González - Polución Nocturna
13. Popo Romano - Rápido Por La Rambla
14. Pérez U Peraza - Imaginando
15. Sergio Fernandez - Imágenes Ocultas.

Friday 5 October 2007

Aquellos Viejos Discos


En este nuevo ciclo de "Aquellos Viejos Discos" trataremos de recordar los viejos vinilos que escuchábamos en los 60-70. Las influencias musicales para muchos de nuestra generación, aquellos Lp's que llegaban con cuentagotas al Uruguay y que nos juntábamos en la casa de algún amigo que tuviera un "Tocadiscos"para poder escucharlo y analizarlo horas hasta gastarlo..!!

(IV)

"Folklore e Bossa Nova do Brasil 1966"

Un precioso Lp de 1966,con músicos como :Edu Lobo,Rosinha de Valenca,Silvia Telles y otros.*****

Wednesday 26 September 2007

Lalo Schifrin

Lalo Schifrin

Boris Claudio Schifrin (Buenos Aires, 21 de junio de 1932), Lalo Schifrin, pianista, arreglista y compositor argentino de música clásica, de jazz y de música popular cuyos más grandes éxitos los ha obtenido con sus bandas sonoras para cine y televisión, como por ejemplo la de la serie Misión: Imposible.

Animado por su padre, violinista sinfónico, Lalo comenzó a tocar el piano a los seis años de edad. Cursó su secundario en el Colegio Nacional de Buenos Aires. En 1952, entró a estudiar en el Paris Conservatoire y participó de la vida jazzística nocturna parisina. Tras regresar a Buenos Aires, Schifrin formó una orquesta de jazz integrada por 16 músicos. En 1956 conoce al trompetista Dizzy Gillespie y se le ofrece para escribir una gran suite de cinco movimientos, titulada Gillespiana, que termina en 1958; ese mismo año, se convierte en el arreglista del músico español Xavier Cugat. En 1960, se traslada a Nueva York y se une al quinteto de Gillespie que, tras grabar "Gillespiana", obtiene un gran éxito. Schifrin se convierte en el director musical de Gillespie hasta 1962. A partir de ese año, se centra en su carrera como compositor y director, casi siempre con una orientación de jazz latino y de bossa nova; acepta, además, en 1963 su primera colaboración con el mundo del cine. Schifrin se traslada a Hollywood, consiguiendo grandes éxitos con sus temas para series como Misión: Imposible y Mannix. Durante la década de los setenta, escribe la música para películas como The Cincinnati Kid, Bullitt, Cool Hand Luke, Harry el sucio y Enter the Dragon. Como músico de jazz, escribió la suite "Jazz Mass" en 1965, y se aproximó al funk jazz con su disco de 1975 Black Widow. Schifrin continuó con su trabajo para el cine a lo largo de la década de los noventa; grabó, además, una serie de discos de jazz orquestal llamados Jazz Meets the Symphony y se convirtió en el principal arreglista para Los Tres Tenores, llevándole a su actual interés por la excelente música clásica.

"Lalo Schifrin/Gillespiana in Cologne(1998)"

1-Prelude[Gillespiana Suite]Schifrin
2-Blues[Gillespiana Suite]Schifrin
3-Panamericana[Gillespiana Suite]Schifrin
4-Africana[Gillespiana Suite]Schifrin
5-Toccata[Gillespiana Suite]Schifrin
6-Bachianas Brasileiras,No.5:Villa-Lobos.

Alex Acuña/Latin Percussion
Rob Bruynen/Trumpet
Paquito d'Rivera/Sax(Alto)
Jon Faddis/Trumpet
Dietmar Florin/Trombone(Bass)
John Goldsby/Bass
Andy Haderer/Trumpet
Dave Horler/Trombone
Bernt Laukamp/Trombone
John Marshall/Trumpet
Jens Neufang/Sax(Baritone)
Ludwig Nuss/Trombone
Klaus Osterloh/Trumpet
Olivier Peters/Sax(Tenor)
John Riley/Drums
Rolf Romer/Sax(Tenor)
Harold Rosenstein/Sax(Alto)
Lalo Schifrin/Arranger,Producer,Liner Notes
Markus Stockhausen/Trumpet
Heiner Wiberny/Flute,Sax(Alto).